El podcast "Mostras del Rock"  de Barbi Recanati comenzó como un compendio de artistas por las cuales fue inspirada como música, cuando de pronto encontró decenas de mujeres que no conocía ya que sus relatos quedaron invisibilizados bajo el ala de alguna "leyenda masculina de la música". ¿Dónde habían estado todas esas artistas que fueron sacrificadas para enaltecer a figuras como Elvis Presley, Jimi Hendrix y Bob Dylan?

"Lo más importante de todo es entender el porqué. Y es oscuro el porqué. Te das cuenta que es muy siniestro lo que pasa, muy capitalista, el lugar que puede ocupar una mujer, una artista trans, una lesbiana o una mujer embarazada", relató Recanati en IP Cultural con Mercedes Ezquiaga y apuntó directamente a relatos como los de Janis Martin, una artista adolescente que le ganaba a Elvis Presley en popularidad pero que rápidamente fue borrada de todo registro de la historia del rock tras quedar embarazada y rehusarse a tener un aborto.

Relato a relato, "Mostras del Rock" se convirtió en libro con un código fanzinero y cuenta las historias íntimas de 50 artistas que cambiaron el rumbo musical del planeta. Junto a Power Paola, una dibujante colombiana, Barbi armó un compendio con un lenguaje apto para todo público con el objetivo de llegar también a aquellas niñas que recién comienzan su formación: "la idea es que sea lo más accesible para todo el mundo, más que nada para las infancias y para las adolescencias, que en algún punto son las que todavía tienen un camino por hacer en el arte. Al revés de lo que me pasó a mi, que yo me encontré con un enojo de 'cómo que no supe esto a los 12, cómo que no supe esto a los 15'".

Una de las dudas que más le carcomen es qué hubiese sucedido si el material habría sido más accesible para ella cuando era joven. Ella reconoce que si bien el material es "100% anglosajón", el compendio nace también de cómo fue inspirada por una colección de discos que le había dejado su hermano mayor y que en un momento dado se dio cuenta que "eran todos hombres". "Para mi tenía que ver con deconstruir la historia famosa que consumimos desde siempre. ¿Qué pasaba alrededor de Jimi Hendrix? ¿Qué pasaba alrededor de Elvis Presley? ¿Qué pasaba alrededor de Bob Dylan?. También es 100% qué pasa alrededor de esa historia que consumimos y por qué no aparecían estas historias que no es que no estaban ahí...inclusive eran igual o más importante que las que consumimos", describió.

"Mostras del Rock" tiene por objetivo mostrar esos espacios invisibilizados que lentamente se van descubriendo a través del revisionismo de la historia personal de Barbi Recanati. Y aunque la artista reconozca que la idea no es "solucionar lo que pasó o encontrar una nueva forma de todo lo que se tapó", afirma que esta nueva manera de deconstruir va de la mano del autodescubrimiento de mujeres y disidencias: "Podemos seguir divulgándolo, seguir contándolo y que las nuevas generaciones lo tengan en cuenta".

Podés ver IP Cultural, conducido por Mercedes Ezquiaga, todos los sábados a las 16 hs por la pantalla de IP Noticias

Delfi Uberna trajo varias sorpresas y regresos melancólicos en esta "Playlist de Viernes", donde escuchamos los últimos lanzamientos para comenzar el fin de semana a todo ritmo. Una de las sorpresas que más enternecen el corazón es el primer lanzamiento del legendario álbum "Cantora" de Mercedes Sosa, cuyos videos del backstage serán publicados en 21 tomar en la plataforma YouTube. En el último trabajo discográfico de la Voz de América se puede ver un compendio increíble de artistas colaborando en su trabajo, entre ellos Gustavo Cerati, Charly García. Shakira, Diego Torres y León Gieco, entre otros.

De la otra punta del mundo también volvió Coldplay, la banda británica que se animó a la estética cyberpunk con su tema "Higher Power". El tema, que había sido estrenado exclusivamente a principios de mayo para la Estación Espacial Internacional (ISS), mezcló la idea distópica inspirada en la ciencia ficción con su iniciativa de crear un disco con mensaje eco-friendly. Para no olvidarse del ritmo bien caribeño nunca está demás escuchar a Ricky Martin en su colaboración con Paloma Mami en "Qué Rico Fuera", un temón picante intergeneracional que dejó el sello registrado del estilo puertorriqueño. Y si del trap hablamos, Tiago PZK estrena con María Becerra la canción "Cázame", un video de fantasía furtiva bien picante.

El músico y compositor argentino, Willy Crook fue trasladado a terapia intensiva tras sufrir un ACV y permanece estable en coma farmacológico con respiración mecánica, según informó el comunicado oficial. “Familia, amigos, músicos, colaboradores, fans, pedimos por su pronta recuperación. ¡Vamos Willy! Estamos junto a vos en nuestras oraciones y pensamientos positivos”, señalaron desde el círculo íntimo.

Eduardo Guillermo Pantano, de 55 años, es uno de los mayores exponentes del funk local. Durante su carrera, participó de grupos icónicos como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y Los Abuelos de La Nada, Sumo, Virus, entre muchas otras, que lo llevaron a construir una larga e inigualable trayectoria musical, con dos nominaciones a los Premios Gardel y exportando su música a todo el mundo.

Después de un tiempo, Willy Crook volvió a reunirse con sus compañeros de Funky Torinos y se dedicó a la presentación de los discos más importantes de su carrera junto con su banda.

Llegó el primer viernes de junio y con él la Playlist de los viernes, la columna musical donde Delfi Ubierna te cuenta de los últimos lanzamientos para empezar con todo del fin de semana. El primer estreno viene de la mano de Billie Eilish, la cantante norteamericana que presentó el videoclip de su corte Lost Cause, de su nuevo disco Happier Than Ever. La artista de 19 años reconoce que su nuevo trabajo (que es apenas su segundo disco) es una de las cosas favoritas que ha creado y aunque lanza sus temas a cuenta gotas, promete que el 30 de Julio sus fans van a poder disfrutar de su obra completa.

En el plano de la música local, Jimena Barón, la artista de La Cobra, contraataca con Ya no te extraño un tema inspirado en su reconciliación fallida con Daniel Osvaldo, el padre de su hijo. El single describe una relación de vínculos tóxicos, un amor pasional que no respeta reglas pero que se termina en forma de aprendizaje. "Esta es una canción que a mí me encanta. Me fascina. Era una apuesta porque es bastante distinta a todo lo que yo vengo haciendo en esta corta pero linda carrera”, dijo la cantante en una transmisión en vivo que realizó desde su cuenta de Instagram.

Y en una semana de segundos, el toque de trap lo da Trueno acompañado por Duki, con el tema Panamá, el corte inicial de su nuevo álbum. "Siento que éste es un track fresco y creo que Argentina necesita eso después de todo lo que estamos pasando. Le vamos a dar lo que necesita”, comentó Trueno en el estreno. El trapero cuenta que por la pandemia se canceló mucho de su agenda por centro américa y que su último viaje fue a ese país. "Me quedó esa buena vibra tropical y quería explotarla", agregó.

El sábado 5 de junio cumple 80 años, nació Martha Argerich, una de las pianistas argentinas más destacadas de todos los tiempos. Martha llegó al mundo el 5 de junio de 1941, y con sólo cuatro años ya estaba realizando su primer concierto para piano, en el Teatro Astral. Su virtuosismo innato la llevó en aquella oportunidad, a tocar el Concierto para piano y orquesta nro. 20 en re menor, de Wolfang Amadeus Mozart. “Nunca me importaron las audiencias y nunca me importarán”, desafió esta artista cuya sensibilidad interpretativa parece colocarla en una soledad nostálgica y potente frente al instrumento. Discípula del gran compositor Vicenzo Scaramuzza, que también le enseñó a tocar a Bruno Gelber, su vida tuvo un quiebre importante en 1954, cuando Juan Domingo Perón en persona la becó para que realice sus estudios en Viena.  

Esta decisión dio sus frutos tres años más tarde, en 1957, cuando Argerich resultó ganadora del Premio Busoni de Bolzano y el Concurso de Ginebra, dos de los reconocimientos musicales más importantes del mundo. En 1965, se convirtió en la primera pianista mujer en ganar el Concurso Internacional Fréderic Chopin, uno de los más renombrados del arco clásico. “La velocidad es mi naturaleza, mi tendencia. Es un demonio que tengo; un quilombo”, refirió acerca de su excepcional rapidez en pasajes muy complejos, lo que la destacó en la interpretación de autores como Chopin y Liszt. Ganadora de tres Grammys, distinguida con la Orden al Mérito de la República Italiana y el Premio Kennedy, otorgado por Barack Obama, Argerich continúa vigente como una de las máximas representantes del género clásico. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

El tango no encontró a Rubén Juárez, sino que fue al revés. El famoso músico de aquel bandoneón blanco no había nacido en la época en la que el clásico porteño estaba en auge. La juventud de los '60 ya lo calificaba de viejo, apolillado, eso que escuchaban los abuelos que añoraban los tiempos de su infancia. Juárez nació en 1947 en Córdoba, aunque luego se mudó a Avellaneda, en el sur del Gran Buenos Aires. Mientras su familia lo veía como un erudito del bandoneón que tocaba ya a los 9 años, el joven escuchaba lo que sonaba en la época.

¿Había tango? No, existía el boogie y el twist. A los 16 años aprovechó que la guitarra era un instrumento más fácil con el que también podía explotar su voz. Bajo el seudónimo de Jimmy Williams formó "The Black Coats", un conjunto juvenil de rock que debutó en Radio El Mundo presentados por María Moreno y Silvio Soldán.

Hasta que un día en el club Cramer de Avellaneda escuchó cantar a Julio Sosa. "Para qué. Arrancó con el 'Pido permiso, este tango habla por mi. ¡Ay papá, qué animal!", contó Juárez en una entrevista. Ese día llegó a su casa y le anunció a su familia que quería ser cantor de tango. Sin dudas, la escena se sorprendió muchísimo con la integración; después de todo, no era usual que un chico de veinte años se interesara en un género tradicional. El paradigma juvenil se había vuelto el enemigo de esa música que escuchaban "los padres", pero el amor y el impacto que le había causado Sosa fue mayor que cualquier tendencia.

La primera vez que lo escuchó, Aníbal Troilo supo que Rubén tenía algo que llevaría adelante al género. Se ofreció rápidamente a apadrinarlo y bajo su ala se hizo conocido en los boliches tangueros. Con su actuación en Caño 14, un local legendario dedicado a esta música, comenzó a sacudir las concepciones de un género que olfateaba su retorno. En 1973, la Asociación de Comentaristas de Tango lo consagró como el mejor intérprete y artista del año con tan solo 26 años.

El mundo se convirtió en una ruta de viajes donde el tango sostenía la brújula. Visitó y llevó su 2x4 por Perú, Venezuela, Estados Unidos, Colombia y Francia. Aunque grabó una gran cantidad de discos, el fenómeno del "Negro" Juárez era en vivo. Inclusive conquistó a Charly García, una vez que pasó por Carlos Paz luego de un Cosquín Rock.

El 31 de mayo de 2010, a sus 62 años, Rubén Juárez dejó este mundo a causa de cáncer de próstata. El músico, el erudito, el aventurero que volvió a darle vida al tango, fue el apóstol que logró catapultar al género a los oyentes del siglo XXI. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

 

Ale Sergi se convirtió en una leyenda de la música nacional con Miranda!, la banda que viralizó el electropop en la dura realidad de Argentina post 2001. Fue su música computarizada y sus líricas adictivas la que hizo despegar al grupo. Pasaron 20 años desde esa conquista y Miranda! lo celebra con "Souvenir", un disco que festeja la identidad que formaron.

"Sentíamos que ya veníamos con dos décadas de trabajo continuo y cuando empezamos a grabar, pensamos que el rumbo no debería incorporar cosas nuevas. Queríamos hacer el disco bien como en el comienzo, solo con una computadora, y más electrónica. Sentimos que de alguna manera, es la escena de la que somos parte", cuenta Sergi un poco melancólico.

El músico también contó cómo comenzó Miranda!, rememorando desde el día que conoció a su compañera, Juliana Gattas: la vio cantar una canción de Billie Holliday en una fiesta. Comenzaron a trabajar juntos de manera independiente y la idea de grabar temas para la banda fue un resultado casi natural: "Con Juliana siento admiración desde el primer día", contó. 

Después de dos décadas, Sergi se reconoce un extraño de la escena juvenil en la cual floreció y cree que los sonidos urbanos son los que más caracterizan a la generación centennial. Pero esto no lo atormenta: se reconoce como pionero del electropop nacional, de hacer del Niceto Club su "Cemento" y conquistar tres veces el Teatro Gran Rex.

"Tratamos de hacer música para el cuerpo, no somos muy cerebrales. Nos gusta que sea algo super directo, que se meta en el cuerpo y te den ganas de moverte. Queríamos aferrarnos a eso más que nunca para celebrarnos y reivindicar nuestro estilo, porque es nuestro estilo favorito".

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 hs con la conducción de Luis Corbacho.

Delfi Uberna trae las últimas novedades musicales para arrancar a todo ritmo con nuestro fin de semana. El primer single que nos recomienda es "El Cuerpo" de la joven Zoe Gatusso, una artista que está intentando con sus videoclips lograr un cortometraje que inspire a la reflexión: “Mi inspiración para estos videos fue la de contar historias de otras personas, y que éstas re-signifiquen el mensaje de mis canciones, que para mi hablan de los días tristes y lo que nos sucede en el cuerpo en esos momentos".
María Ezquiaga es una cantautora en exponencial crecimiento que lanzó el adelanto de su primer disco "Inminente" con "Algo salió bien", un temón melancólico que invoca la nostalgia del fin de las etapas y el vértigo del comienzo de otras historias. En el ámbito un poco más pop bailable, México nos importó el single "Perfecta", una colaboración entre Reik y Maluma que si bien tiene algo de añoranza, se concentra más en el romance y el ritmo latino.

Otro artista que también aprovecha esa identidad es Tiago PZK, quien estrenó "Házmelo" , un tema estilo R&B fusionado con barras dictadas al estilo trap. El videoclip sorprendió con la participación de Coscu, Rusherking y ZZK, a quienes se los espera que también participen de la trama que Tiago PZK quiere lograr entre todos los videoclips de sus temas. 

 

 

Lírico, rupturista, poético y cool: todas esas características fueron atribuidas a Miles Dewey Davis III, más conocido como Miles Davis. Desde su nacimiento en Alton, Illinois, el 26 de mayo de 1926, hace 95 años, fue construyendo un mito de la música y el jazz moderno. El trompetista y compositor norteamericano encontró su reconocimiento a la par de figuras como Duke Ellington, John Coltrane, Charlie Parker y Lous Armstrong. Su impronta de vanguardia enfrascada en distintos estilos musicales como el bebop, el vanguardismo y el jazzbop, lo referencian como un intérprete singular e indiscutido. 

“Cuando creas en tí, ni el cielo será tu límite”, era una de sus frases más recordadas y una de las que aplicó en toda su carrera musical, plasmada en la libertad de sus composiciones. El sonido intimista y suave que lograba improvisar en su trompeta, lo llevó a tocar desde muy joven en clubes nocturnos de Nueva York. En 1947 grabó junto al saxofonista Charlie Parker del que fue amigo hasta sus últimos días. Incorporó agrupaciones con saxos altos, barítonos, tubas y trompetas, incursionando de manera nunca vista en los grupos de jazz de los años ´50. Esto le valió la admiración de varios colegas como Gerry Mulligan, Kenny Clarke y Lee Konitz. 

Sus primeros discos, Young man with a horn (1952), Blue period (1953) y Porgy and Bess (1958), fueron algunos de los pilares de una carrera basada en la melancolía y el aplauso. A fines de los años ´60, comenzó a experimentar en el jazz fusion, con la producción del reconocido compositor Teo Macero, con títulos como Nefertiti o In a silent way acercándose cada vez más al rock. Este género también lo recibe con los brazos abiertos, grabando con artistas que Davis se encarga de descubrir, como el bajista de los Rolling Stones, Darryl Jones o el saxofonista Kenny Garret.

La mezcla de estilos continuó en sus últimos años de vida, grabando temas de Michael Jackson y Cindy Lauper. Falleció el 28 de septiembre de 1991, a los 65 años, en Los Ángeles. “Sé lo que he hecho por la música, pero no me llaman "leyenda". Simplemente me llaman Miles Davis”, declaró en una de sus entrevistas. Así será recordado siempre.

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Bob Dylan nació un 24 de mayo de 1941 para darle una patada al tablero del rock. Pero la etiqueta de “músico” le queda chica: es tan compositor como poeta; el talento para los versos le valió un Nobel de Literatura en 2016, que −entre idas y vueltas− finalmente aceptó. Nacido como Robert Allen Zimmerman, el cantautor estadounidense parió una prolífica obra de 39 álbumes de estudio, desde 1961 hasta 2020, que marcó a fuego la cultura popular del mundo.

A lo largo de su carrera, Dylan atravesó distintas etapas y experimentó diversos géneros. Entre sus hitos más destacados es obligatorio mencionar al festival de folk de Newport, en 1965. Allí, el famoso “Dylan electrificado” se paró frente a una multitud para recibir abucheos y reclamos. ¿La razón? Había abandonado al folk ortodoxo para enfrentar cualquier crítica con un sonido más eléctrico, liderado principalmente por la guitarra de Mike Bloomfield. Así se posicionó como referente de la contracultura y señaló el camino para los intérpretes de rock que vinieron después.

Otro concierto histórico, en San Diego, merece mención: la noche de su bautismo. El 17 de noviembre de 1978, un fanático arrojó una cruz de plata al escenario. Dylan la levantó, y según contó en varias ocasiones, sintió escalofríos y temblores por todo el cuerpo. Una señal, conforme a su interpretación, que lo volcó hacia su veta más religiosa y abrió la puerta a la trilogía discográfica cristiana: Slow Train Coming (1979), Saved (1980) y Shot of Love (1981). Una serie de estrenos que si bien no fueron de los más exitosos a nivel comercial, perfilaron un estilo y fundaron un acontecimiento.

Hits tiene muchos, anécdotas más. Su trayectoria viró entre curvas y contracurvas, aunque con definición: Bob Dylan siempre controló su camino, protagonista de un legado vivo que se insertó en generaciones pasadas y penetrará las venideras. Porque su fórmula es lo genuino y la convicción: “Lo único que puedo hacer es ser yo, sea lo que sea que eso signifique”.

Gente que nos hace bien es una sección de "Somos PM", conducido por Pía Slapka, Maxi Legnani y Ana Sicilia de lunes a viernes de 14 a 17 hs.

Un 24 de mayo de 1973 nacía en La Plata Rodrigo Bueno, más conocido como "El potro". Lo destacaban su carisma y su simpatía, elementos fundamentales que le permitieron llevar el cuarteto a la escena nacional. Los colores estridentes en su pelo, el look de boxeador, el Luna Park a sala llena; por nombrar solo algunos de los elementos que caracterizaron la imagen que trascendería los hogares de miles de familias a lo largo y ancho del país. 

Criado en el epicentro de una familia de artistas y de profesionales de la música, Rodrigo desarrolló sus primeros años en el género en la provincia de Córdoba. Su padre, Eduardo Alberto Bueno, fue uno de los referentes de la industria discográfica en la década del 70, casado con Beatriz Olave compositora y trabajadora de una empresa editorial. Con sólo cinco años de edad y la ayuda de su padre, Rodrigo grabó su primer disco de canciones infantiles titulado "Disco Baby". Ya llegada su preadolescencia, Rodrigo realizó sus primeras colaboraciones con la banda "Chébere". Fue tras varios años e intentos fallidos de consagrarse en la popularidad que decidió trasladarse a Buenos Aires para "probar suerte". Recién en 1987 grabó su primer disco solista, "La foto de tu cuerpo". En 1956 firmó un contrato con el sello discográfico Magenta Discos, con el cual grabaría su mayor éxito, "Lo mejor del amor", y al que le seguiría su disco más exitoso y el que logró catapultarlo a la fama: "La leyenda continúa", consagrado como disco de oro por CAPIF.

El 24 de junio de 2000, asistió a la grabación del programa televisivo "La biblia y el calefón", junto a su hijo y su novia. Rodrigo manejaba su camioneta de vuelta a la Ciudad de Buenos Aires, y tras sufrir el bloqueo de un conductor que también ingresaba a la autopista, perdió el control del automóvil y chocó en un trágico accidente que concluiría con su muerte y el lamento de todo un país. Un país, que hasta el día de hoy, lo recuerda con cariño y pasión al entonar cualquiera de sus canciones. 

Catarina Spinetta es una artista multifacética. En la cuarentena se encargó de mantener al público de su Instagram entretenido con Black Love: al mando de las bandejas, Cata hizo DJ sets para todos los gustos. Las citas son los viernes y ya tiene más de 50 ediciones. Además, como gestora cultural, tiene el desafío (y gusto) de que el legado de su padre, Luis Alberto, permanezca vivo. “Papá sembró amor en todas sus formas, y esa es la respuesta que siempre recibimos”. 

Los DJ sets tienen un objetivo: “Es para que no se sientan solos. Pero es recíproco. También es mi momento de ponerme linda”. También, a medida que transcurren las canciones, las comenta y baila.

Dice que las grabaciones del Flaco aparecen de manera insólita, y cuenta una primicia: el 28 de mayo se estrenará a través de las plataformas digitales, una de las presentaciones de Artaud de octubre de 1973. Lo increíble es que en ese día en particular, el listado de temas había cambiado respecto a los shows de Artaud que ya se editaron. Dato no menor: hay tres canciones inéditas. La grabación la encontró en un CD su madre, y cuando pusieron play no sabían con qué se iban a encontrar.

Respecto a su rol como gestora cultural, señala que su papá siempre advirtió su destino. “Siempre lo quería ayudar, ser su secretaria, y él me respondía que ya iba a tener tiempo para eso. Se me dio natural; y claro, ahora que lo pienso, él siempre supo que yo iba a hacer eso”. 

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 hs con la conducción de Luis Corbacho.

 

Llegó el anteúltimo viernes de mayo y con él la “Playlist de los viernes”, el rincón donde Delfi Uberna te cuenta de los últimos lanzamientos de música para cambiar el humor en el fin de semana. A Juan Ingramo hace tiempo le picó el bichito del amor así que ahora largó su single “Casamiento”. El video recrea las imágenes de su relación con Violeta Urtizberea y entre beats el cantante le declara su amor sin ahorrarse palabras. "Entre el plato principal y el postre, se apagan las luces del salón, se prende la pantalla y empieza este video. Hecho con amor, por amor y para todxs ustedes! No se vayan que luego hay cachengón!!!", escribió Ingramo en sus redes sociales al presentar la previa de la canción.

Mientras tanto Miranda aprovecha el lanzamiento de su disco “Souvenir” y luego de dos semanas estrenó el videoclip oficial de “Caía la noche”, otro romanticón con el sello fluorecente y estrambólico de la banda. Nadie está exento del romance y eso lo comprobamos en el mundo trapero también, ya que Neo Pistea presentó el videoclip de “Tu Cintura”, un tema con el que colaboró con Cazzu y Rei para su disco “Pandemia”. Y con tanto amor flotando en el aire hay que hacer una parada en los ritmos caribeños y para eso Delfi nos recomienda a Rauw Alejandro con su presentación de “Todo de ti”, un tema que está muy cerca del ritmo pop pero fusiona la línea vocal sintetizada del reggaetón.

 

León Gieco dijo alguna vez que la música es "una cosa amplia, sin límites, sin fronteras y sin banderas"; este es el caso de la recepeción internacional que tiene el rap de Abdel Rahman, el palestino de 12 años que formula versos para explicar sobre lo que se vive en la franja de Gaza. "Mi meta es transmitir un mensaje de paz y esperanza de los niños palestinos al resto del mundo y resaltar sobre nuestro sufrimiento e inhabilidad de cumplir nuestros sueños bajo la ocupación Israelí", explicó el joven artista en una entrevista.

La carrera del preadolescente nació de la viralización de sus videos en las redes sociales. Sus líricas fuertes y apuntadas a la situación diaria que se vive en un territorio azotado por los conflictos armados capturaron la atención de varios músicos como FatJoe, Belly y el británico Lowkey. "Nací en la ciudad de Gaza y lo primero que escuché fueron tiros. La primera vez que respiré, sentí el sabor a la pólvora", dicen las letras de "Peace", uno de sus temas más populares.

"MC Abdul", como se hace llamar, canta en inglés con el objetivo de conmover de manera internacional y traspasar la frontera idiomática. Según lo que explica junto a padre, aprendió a hablar el idioma escuchando a sus músicos favoritos vía internet. Abdel, que asiste a una escuela dirigida por la Organización de las Naciones Unidas, explica que rapea desde que tiene 9 años, grabando covers de sus temas preferidos. En los últimos años, el joven grabó alrededor de 30 canciones de rap. 

En el último año, el niño se vio envuelto en un escándalo cultural cuando le dijo a un medio ruso que lo que deseaba era la "paz y amor entre palestinos e israelíes" y que "no había razón para la pelea y las guerras". Muchos de sus compatriotas reclamaron esta postura diciendo que estos comentarios demostraban una ignorancia por la pelea cultural en la que se ven entreverados los intereses de ambos países. El padre de Abdul pidió que diesen de baja la entrevista y se "excusó" diciendo Abdul había cometido un error. Los llamados a la coexistencia con Israel y Palestina están casi prohibidos en muchos circuitos de Gaza, ya que se lo ve como una normalización de los conflictos que persisten hace más de 57 años.

 

El 20 de mayo de 1944, hace 77 años, nació Alejandro Ricardo Dolina, más conocido como El Negro Dolina. Músico, escritor, conductor de radio y televisión, este artista multifacético dejó una marca imborrable en el imaginario cultural argentino. Oriundo de Morse, localidad del noroeste de la provincia de Buenos Aires, desde muy chico aprendió piano y se interesó por disciplinas como literatura, filosofía, historia y el tango.

A los 22 años comenzó a trabajar en una empresa publicitaria, lo que le permitió conocer su verdadera vocación por los medios de comunicación. A principios de los ´70, trabajó en Satiricón, una de las revistas de humor gráfico más reconocidas del momento. Más adelante lo haría para la mítica Humor, rodeado de compañeros como Carlos Trillo, Caloi y Carlos Abrevaya. 

En 1975 comenzó su romance interminable con la radio. Apareció en Mañanitas nocturnas, el programa de Mario Mactas y Carlos Ulanovsky transmitido por Radio Argentina. Allí armó el personaje del Sordo Gancé, un músico improvisado por Dolina que continúa presente en sus emisiones en la actualidad. El recorrido radial de Dolina se vio iluminado en 1993, con la llegada a FM Tango de La venganza será terrible, el mítico ciclo humorístico cultural que es considerado uno de los más importantes de la historia de la radiofonía argentina. El programa se instaló en la franja horaria de la medianoche, con espectadores en vivo y el intercambio de distintos co-conductores como Elizabeth Vernaci, Gillespi, Patricio Barton y Gabriel Rolón. 

Autor de las Crónicas del Ángel Gris (1987), Lo que me costó el amor de Laura (1998), El libro del Fantasma (1999), Bar del Infierno (2005) y Cartas marcadas (2012), estudió a fondo la temática costumbrista argentina, los laberintos de Jorge Luis Borges y las historias fantásticas. 

“El arte y el amor son las pocas posibilidades de encuentro que el universo presenta.”, es una de sus frases más célebres. Su legado cultural continúa hasta el día de hoy, con La venganza transmitido en vivo por AM 750. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

El 19 de mayo de 1972, hace 49 años, murió el cantautor argentino José Alberto Iglesias, más conocido como Tanguito. Nacido en Caseros, Provincia de Buenos Aires, el 16 de septiembre de 1945, fue y es reconocido como uno de los pioneros del rock argentino. De espíritu rebelde e introvertido, decidió abandonar los estudios a los 15 años para dedicarse a la música. Empezó cantando en clubes porteños de Flores y Mataderos que pasaban tangos como música principal. De ahí surgió el apodo que lo acompañaría en adelante. 

En 1963 debutó como cantante del grupo Los Dukes, grabando los singles "Decí por qué no querés" y “Mi pancha”, su primera composición registrada. Ganó reconocimiento, compartiendo escenario con artistas como Billy Bond y Sandro y Los de Fuego. Formó parte de veladas bohemias en las que se compartía poesía, jazz, rock, junto a otros personajes inolvidables como Miguel Abuelo y Litto Nebbia. “Estoy tan solo y triste acá en este mundo abandonado”, fue una de las frases que escribió con Nebbia y lo eternizaron. 

Fue con este último que entabló una gran amistad que lo llevaría a crear el mito fundacional de la historia del rock argentino: la canción La Balsa. Tanguito escribió los primeros acordes de La Balsa en el baño del bar y pizzería La Perla del barrio porteño de Once, la madrugada del 2 de mayo de 1967. Fue publicada el 3 de julio de ese mismo año con un éxito rotundo que contrastaba con la creciente adicción de Tanguito a las anfetaminas. 

El cantante comenzó a perder el control hasta ser internado en 1971, en el Hospital Borda en el que fue abandonado a su suerte y sometido a terapias agresivas de electroshock. Tanguito logró fugarse el 19 de mayo de 1972, llegando a la Estación Palermo del tren San Martín. Cerca de las 10:50hs. cayó a las vías del tren en circunstancias poco claras y fue encontrado muerto. Sus canciones quedarán grabadas en el imaginario del rock latinoamericano para siempre. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

El 18 de mayo del año 1975, hace 46 años, murió la leyenda del tango Anibal Troilo, "Pichuco" para todos los tiempos. Bandoneonista, compositor y director de orquesta, fue, es mucho más que eso. La sabiduría popular y el ruido mediático a su alrededor -que existía, en la medida de su tiempo- lo bautizaron como “el bandoneón mayor de Buenos Aires”. Una figura retórica que sin embargo, no alcanza para definir su porteñidad al palo.  

Su estilo resumía personalidad y sentimiento. Como director de orquesta cultivó un estilo clásico de tango, sin efectismos ni desbordes demagógicos. No los necesitaba. Además de ejecutante del bandoneón fue un inspirado compositor, creador de temas que perduran -lo mismo que sus versiones de obras ajenas- como clásicos de todos los tiempos. Los tangos con música de Troilo en sus distintas asociaciones con letristas como Homero Manzi, Cátulo Castillo, Enrique Cadícamo y José María Contursi, conforman parte importante la banda de sonido de la Ciudad de Buenos Aires. “Barrio de tango”, “Che bandoneón”, “Sur”, “Romance de barrio”, “Desencuentro”, “La última curda”, “María”, “Garúa”, “Pa’ que bailen los muchachos” y “Discepolín” entre otros.

Apadrinó a un joven bandoneonista marplatense que había pasado su infancia en Nueva York y lo incorporó a su orquesta cuando Astor Piazzolla -de él se trata- tenía apenas 19 años. Además de bandoneón de fila, Astor fue su arreglador y ocasional pianista Y junto a Troilo, jugó un papel trascendental en el apogeo del tango en las dos siguientes décadas. No fue una convivencia fácil: Troilo ayudó a la expansión de Piazzolla, pero también recortó su vuelo para ceñirlo a los límites de su estilo estrictamente clásico. Se pelearon, luego se reconciliaron, siempre se admiraron mutuamente. Pero esa es otra historia. 

Formó una dupla emblemática con Roberto “Polaco” Goyeneche. "Bandoneón arrabalero" (1956) fue la primera de más de 50 grabaciones que hicieron juntos. Los registros de “La última curda”, “Garúa”, “Sur”, “En esta tarde gris” y “Toda mi vida” entre otros, integran el libro de canciones canónico de la historia del tango.

Ya era un mito en vida, cuando murió a los 60 años en 1975, el año en que su querido River Plate rompió la maldición de los 18 años sin campeonatos. Murió en el Hospital Italiano, a causa de un derrame cerebral y varios paros cardíacos. Se encuentra sepultado en el Rincón de los Notables del cementerio de la Chacarita, una especie de edificio-monumento con forma de bandoneón que -aún en su extrañeza arquitectónica- hace honor a su leyenda.

 

Connie Isla es modelo y cantante. A sus 24 años, la influencer con 511 mil seguidores en Instagram, logró pasar de los covers con ukelele a tener temas propios. Pero no solo eso: a su carrera artística la atraviesa el activismo, especialmente el feminista y vegano. “Pude financiar mi carrera por Instagram”, declara.

Actualmente, participa de la obra de José María Muscari “Redes”, con un elenco compuesto por Inés Estévez, Bimbo Godoy, Nati Jota, Cande Molfese, Flor Jazmín Peña, Grego Rosselló y Lucas Spadafora. “Cuando me contactó pensé que se había confundido de número, no entendía nada. Es una obra que me encanta, hay gente que la fue a ver y me dice ‘Che, me quedé pensando’. Te interpela”.

Dice que su adolescencia no la transitó con redes sociales. "Soy de la vieja escuela. Crecí nutriéndome de historias como la de Whitney Houston, tipo dejar un demo en persona en una discográfica. De hecho, viajé a Los Ángeles para firmar con una discográfica independiente de allá”. 

Sobre el veganismo señala que por una cuestión de urgencia los gobiernos “se están dando cuenta que se nos acaba el tiempo y empiezan a tomar medidas”. Cuenta que a veces la tildan de elitista, pero responde: “Más allá de que no es un movimiento elitista porque la dieta vegana es la más barata de todas, si soy una persona con tantos privilegios, más vale que los voy a usar para lo mejor que pueda y no seguir perpetuando un sistema que no va. ¿O cuál es su plan? ¿Qué vuelva a comer carne?”.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 hs con la conducción de Luis Corbacho.

El 14 de mayo de 1998 moría a los 82 años, Frank Sinatra, uno de los cantantes más populares y reconocidos del mundo. Considerado como uno de los artistas imprescindibles de la cultura del Siglo XX, Francis Albert Sinatra, también se destacó como actor. Nacido el 12 de diciembre de 1915 en Nueva Jersey, empezó a desarrollar sus dotes artísticas a los diez años, cantando en la taberna de su padre.

Destacado por su gran porte y tono de voz único, entre intimista y potente, se popularizó al interpretar clásicos de colegas que admiraba como Bing Crosby, Sammy Cahn y Cole Porter. Frank desarrolló de manera innata el oído absoluto, la capacidad de comprender las notas casi sin pensarlas, igual que Freddie Mercury, Michael Jackson y Wolfang Amadeus Mozart. 

Apodado La Voz, dentro de su vasta trayectoria se encuentran temas inmortales como Fly me to the moon, That´s life o My way.  También demostró su versatilidad artística en el plano de la actuación, al ganar un Oscar a Mejor actor de reparto en 1953, por su papel en el drama De aquí a la eternidad. 

"No escondas tus cicatrices; te hacen ser quién eres", es una de sus frases más recordadas en las que se refleja su necesidad de ser auténtico frente a las complejidades de la vida. Su legado musical es recordado por esa autenticidad tan única y brillante. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Chesney Henry Baker Jr. nació en Yale, Oklahoma, el 23 de diciembre de 1929. Es reconocido como uno de los artistas del jazz más representativos de la historia. Apodado como el James Dean del jazz por su buen porte, Chet Baker fue un talento innato. Su aventura terminó el 13 de mayo de 1988, a los 58 años. Baker cayó semi inconsciente bajo los efectos de las drogas por la ventana de un hotel, en Ámsterdam. 

Trompetista y cantante, el músico estadounidense inició sus interpretaciones de manera autodidacta. Sus melodías nostálgicas derivadas del estilo West Coast de los años '50, hicieron que la crítica lo ubicara en el olimpo de la música improvisada junto a Gerry Mulligan, Charlie Parker y Miles Davis. Su elegancia e intimidad interpretativa lo llevaron de inmediato a tocar con las agrupaciones de Mulligan y Parker. En 1953 el productor musical Dick Bock lo escuchó cantando en un club nocturno y le propuso grabar un disco con su voz. Baker aceptó y el experimento fue un éxito. A partir de ese momento, Baker empezó a cantar en sus discos, con una voz nostálgica e inconfundible que le abrió nuevos públicos en Europa y Estados Unidos. 

También conocido como El Elvis blanco del jazz, vivió sus años de gloria y reconocimiento agobiado por la heroína. En los años ´60 vivió en Europa, alternando giras en Francia, Alemania, Holanda y España. 

Fue Dizzy Gillespie, su colega y amigo, que logró ayudarlo a controlar su adicción, con dosis de metadona. En 1973, cuando parecía que su carrera había terminado, Baker regresó a los escenarios. La primera actuación la realizó en un club nocturno de Nueva York y la otra durante un concierto de Gerry Mulligan en el Carnegie Hall, en 1974. Considerado un nómada del jazz y de la vida, pasó el resto de su vida viajando, tocando y enfrentando sus fantasmas de adicciones y maltrato a las mujeres con las que salía. Será recordado por la nostalgia en cada una de sus notas, en sintonía con su propia vida.