El popular videojuego Roblox cerró una alianza con la discográfica Sony Music para crear en conjunto experiencias musicales innovadoras para la comunidad de la plataforma. Al igual que en Fortnite, Roblox ya experimentó con shows en vivo en su universo. El primer show fue el de ya Lil Nas X en 2020 y en 2021 Sarah Larzon realizó un "listening party".

Al mismo tiempo, Roblox se encuentra negociando con otras discográficas y prevén que esto generará nuevas oportunidades comerciales para los y las artistas mediante ingresos por vías virtuales.

"Es importante porque por la pandemia la industria discográfica perdió mucho de sus ingresos y el tour digital se va a convertir en una de las principales fuentes de ingreso para los músicos", vaticinó Rippy Rizza.

La denuncia de los músicos a Roblox

De todas maneras, no todo es lo que parece: en junio, la Asociación Nacional de Editores de Música de Estados Unidos (NMPA) presentó una denuncia contra Roblox por 200 millones de dólares como compensación de la música utilizada de forma ilegal en los streaming del videojuego.

Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.

Un día como hoy, hace 86 años, nació Haydée Mercedes Sosa, "La Negra". La coincidencia de su natalicio, el 9 de julio de 1935, con el Día de la Independencia argentina, pareció un sortilegio del azar para quien honró a Latinoamérica con su voz. Referente indiscutida del Nuevo Cancionero latinoamericano, sus interpretaciones bañadas de  potencia y esperanza, dejaron una profunda marca en la historia del folklore. Cantora de amplia cultura y compromiso social, empezó su carrera artística a los 15 años, en San Miguel de Tucumán, la ciudad en la que había nacido. Sus primeras interpretaciones intercalaron boleros con el cancionero de Antonio Tormo y Margarita Palacios. "Vos vivís el momento más glorioso de tu vida cuando cantás; para un artista no hay instante más elevado, más sublime", es una de las frases que reflejaron su profunda pasión a la hora de subir a un escenario.

Su crecimiento artístico que empezó en 1953, con el lanzamiento de su primer álbum "La voz de la zafra", se intensificó hasta explotar con la llegada del boom de la música folklórica en los ´60. "Todo lo que canto es verdad, todo lo que vivo es verdad", expresó en otra de sus declaraciones a la prensa, cuando ya era conocida en todo el continente por canciones como "La maza", "Duerme negrito" y "Sólo le pido a Dios". Iniciadora del "Movimiento Nuevo Cancionero", un grupo de artistas que cantaban sobre las desigualdades sociales y la lucha de clases, se mudó a Buenos Aires en 1965, el mismo año en que deslumbraría al mundo con su actuación en el Festival de Cosquín. Las referencias musicales de La Negra, fueron ampliándose a medida que se hacía conocida en Latinoamérica, con autores como Jorge Cafrune, Ariel Ramírez, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra. 

Dictadura y exilio

Debido a su fuerte posicionamiento a favor de los más necesitados, Mercedes Sosa fue perseguida por la dictadura cívico-militar de 1976. De familia peronista, "La Negra", que en su juventud se había afiliado al Partido Comunista, terminó abrazando la causa de Juan Domingo Perón. Luego del Golpe del 24 de marzo de 1976, la cúpula de la dictadura la ubicó en una lista negra de artistas, hasta que fue detenida en el escenario de uno de sus recitales, en 1978. “No se puede cantar con miedo. No tuve miedo ni cuando me amenazó la Triple A. Si la mala va a venir no importa, pero no se puede tener miedo al cantar", recordó años más tarde, cuando tuvo que partir obligada al exilio, en 1979. Esos años los pasó en París y Madrid, mientras en Argentina estaba prohibido pasar su música en las radios. Allí tuvo contacto con otros artistas exiliados, como Horacio Guaraní, Jairo y Atahualpa Yupanqui. Porque me duele si me quedo / pero me muero si me voy , fueron las estrofas de Serenata para la tierra de uno, una de las canciones de María Elena Walsh que grabó reflejando el dolor de estar lejos de su patria. 

Vuelta y reconocimiento 

Sosa, que ya era conocida como "La Voz de América", volvió al país en 1982. Por estos años, su reconocimiento se expandió de manera fenomenal, incluyendo otros rubros de la canción como la bossa nova, el tango y el rock. Artista de la talla de Chico Buarque, Milton Nascimiento, Gustavo Santaollalla y Charly García, le abrieron un panorama inédito a la cultura musical. Admirada por todo el arco de autores y compositores del rock nacional, "La Negra" comenzó un romance interminable con este género, que le valió grandes colaboraciones y reconocimientos. “Soñábamos, pero nunca imaginé que la vida me iba a llevar tan lejos. Nunca llegué a soñar todo lo que me iba a pasar en la vida”, declaró en una de sus últimas entrevistas, cuando le consultaron por el camino recorrido. Su último disco, titulado "Cantora" (2009), es una síntesis de todas esas voces que fue sumando a lo largo de su historia, con colaboraciones de Charly García, Fito Páez, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso y Shakira. "La cultura es lo único que puede salvar a un pueblo; lo único, porque permite ver la miseria y combatirla. Permite distinguir lo que hay que cambiar y lo que se debe dejar, como la bondad de la gente", es una de sus frases inmortales que revelan ese espíritu comprometido al cantar. 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.

Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos. 

Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.

Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría. 

5 canciones para celebrar su aniversario

• Comfortably Numb (del disco The Wall)
• Wish You Were Here (del disco Wish You Were Here)
• Another Brick in the Wall (Part II) (del disco The Wall)
• Money (del disco The Dark Side of The Moon)
• Echoes (del disco Meddle)

 

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

La cantante y presentadora Raffaella Carrà falleció este lunes a los 78 años, tras lidiar con una enfermedad de la que aún no se han dado detalles. El ícono pop italiano que conquistó al público latinoamericano con sus temas Hay que venir al sur y 03-03-456 se había retirado del ojo público en el 2016, cuando anunció que quería "ser el testigo de las nuevas generaciones de la televisión".

"Tenía una fuerza imparable, que la llevó a la cumbre del star system mundial, una voluntad férrea que no la abandonó hasta el último minuto, haciendo que no se filtrase nada de su sufrimiento. Es el enésimo gesto de amor hacia su público y hacia los que han compartido el afecto, para que su calvario personal no turbase su recuerdo luminoso", declaró su pareja Sergio Japino.

Carrà había comenzado su carrera en el cine a los nueve años y siguió actuando localmente hasta 1965 para luego participar de producciones de Hollywood como Von Ryan's Express, una película protagonizada por Frank Sinatra, Edward Mulhare y Trevor Howard. También acompañó su carrera de actuación con sus performances en programas de variety, donde aprovechaba para bailar y cantar canciones que la convirtieron en un ícono pop a pesar de las críticas que tuvo por parte de la Iglesia católica.

Se convirtió en una de las primeros símbolos gay gracias a la explosión de su tema Tanti Auguri (Hay que venir al sur) y su trayectoria le llevó a ganar el premio World Pride en el 2017 como embajadora del amor.

Luego del cierre obligado por las restricciones impuestas por la pandemia, el Centro Cultural Kirchner reabrió sus puertas para ofrecer conciertos presenciales durante todos los fines de semana. Tristán Bauer, ministro de Cultura de la Nación, dialogó al respecto con Melina Fleiderman en IP Noticias: "Es una reapertura que hacemos cuidando todos los protocolos". El CCK reabrió sus puertas el viernes nada más ni nada menos que con un concierto en homenaje a Astor Piazzolla. Éste forma parte del ciclo Piazzolla 100 que cuenta con la recreación de sus formaciones emblemáticas, como la Orquesta del ´46 y el Octeto Buenos Aires. 

Además, el centro cultural tendrá un ciclo de música académica y se brindará un homenaje a Chabuca Granda en el que participará Sandra Mihanovich. También en la programación se destaca Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera y durante todo julio habrá actividades presenciales en la Sala Argentina para toda la familia.

La cultura en tiempos de pandemia 

Durante gran parte del 2020 las actividades culturales debieron readaptarse al nuevo contexto de pandemia. Frente a esto, el ministro destaca: "La cultura nunca se detiene; es una construcción de los pueblos. Lo que tuvo una limitación son las distintas actividades artísticas. Tener que cerrar las salas de conciertos y los teatros tuvo un gran crecimiento de la otra forma de expresión: las formas virtuales". 

Bauer se mostró optimista y aseguró que, con el avance de la vacunación, de a poco se van a ir retomando las actividades culturales y destacó: "Esperamos que los artístas se reencuentren con su público".

 

Sofía Carmona es locutora, periodista y especialista en cultura joven. De visita en Redacción IP,  analizó los dichos de la vicepresidenta Cristina Fernández sobre los músicos L-Gante, Wos y Trueno. 

"En principio ella hace esa referencia porque le está hablando a pibes y pibas que podrían encontrarse en la misma situación si tuvieran una compu y, como es una entrega de computadoras, está bueno el enganche", dijo respecto al discurso de la mandataria en el marco del lanzamiento del Plan Conectar Igualdad Lomas de Zamora.

Sofía remarcó que si bien la música de Trueno, L-Gante y Wos deviene del hip-hop, el trap y las batallas de freestyle, las etiquetas se quedan cortas. "Yo llamaría artistas a los músicos", dijo.

"Creo que esta cultura mucha gente elige ignorarla. Quizás tienen primos, sobrinos que escuchan esta música y les dicen '¿Podés sacar esa música molesta?' y no se está permitiendo conocerla. La cultura de hoy en día es de nichos, de cosas muy puntuales, y empieza a pasar eso hay gente muy famosa que si te los cruzás quizás no los reconocés", concluyó.

Redacción IP se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 22 a 23, con la conducción de Patricia Blanco, Andrés Fidanza y Leandro Renou.

La periodista María Seoane creó el libro "Momentos", un homenaje literario al significado cultural del músico Astor Piazzolla. Víctor Hugo Morales no pudo resistir entrar como colaborador y probar por qué el país tendría que saber un poco más del bandoneonista que marcó un rumbo especial en el tanto argentino. Somos PM se comunicó con el periodista para preguntarle qué inspiró su pasión.

"La Argentina no se pone a la altura de lo que Piazzolla significa en materia musical y cultura", opinó Víctor Hugo Morales y explicó que está fascinado con la figura con él porque "la historia de Piazzolla es la historia de Argentina". También remarcó que una de sus cosas favoritas es dar a conocer su perfil desde el punto de vista de divulgación como manera de humanizar a la leyenda y atraer con las curiosidades que construyeron su carrera. 

Un músico que supo que el tango era su camino cuando todo indicaba que se dedicaría a la música clásica, un artista que integró el sonido de los instrumentos eléctricos y una persona que desde adolescente buscó un espacio en las milongas para tocar aunque sea de suplente: esa pasión es la que se inmortalizó e inspiró a Víctor Hugo a querer escribir sobre una figura que califica como "un personaje crítico porque no es muy popular en el país".

"Todo el mundo ejecuta la obra de Piazzolla. Oblivion debe tener más de 100 versiones en el mundo y por ahí me quedo corto. Los grandes instrumentistas de este mundo apenas conocen su referencia y se enamoran del personaje. Yo creo que la dimensión de Piazzolla nunca ha sido alcanzada por el conocimiento", dijo.

Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 hs a 17 hs por IP.

Un día como hoy, hace 50 años, murió en Paris James Douglas Morrison, conocido en todo el mundo como "Jim" Morrison. Cantante y poeta, fue reconocido universalmente por ser uno de los mayores exponentes de la rebeldía del rock. Nacido el 8 de diciembre de 1943, en Melbourne, Florida, su lírica llena de giros sobre libertad, amor, drogas y existencialismo, lo convirtió en un imprescindible de la música del Siglo XX. Gran lector de todo lo que se le cruzaba, desarrolló un gusto temprano por autores como Aldous Huxley, que veían al mundo como una gran alucinación. Ese "más allá" distorsionado lo llevó a tener una vida siempre al límite, cerca de la trilogía de sexo, drogas y rock and roll. 

Aquella pulsión incontrolable de mostrar su arte, se vio plasmada cuando decidió formar The Doors, una de las bandas de rock psicodélico que marcó un hito en la historia musical contemporánea. La fuerza en las letras de Morrison, unidos a sus dotes innatos de performer, lo llevaron a la idolatría de las masas que deliraban mirándolo moverse y cantar en el escenario. "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes", se definió en una ocasión.

Símbolo de la contracultura juvenil de los años ´60, supo ser uno de los principales referentes de la cultura beatnik, ligada a la literatura, prueba de sustancias y composición. Morrison no sólo fue admirado por músicos contemporáneos como Jimi Hendrix o Carlos Santana, sino que despertó fanatismos en los círculos poéticos que lideraban William Burroughs y Allen Ginsberg. “Si mi poesía intenta algo, es liberar a la gente de sus límites para ver y sentir”, es una de sus frases que reflejó su deseo de libertad. Autor de canciones inoxidables como Light my fire, The end y Break on Through, es recordado como un ícono de arrogancia y belleza. También conocido como El Rey Lagarto o El Chamán, desarrolló una dependencia al alcohol y la heroína que terminarían matándolo.  

Su misteriosa muerte

Morrison dejó este mundo a los 27 años, el 3 de julio de 1971. Si bien el acta de defunción indica que murió por un paro cardíaco, muchos fanáticos dudan de esta versión, porque los peritos no realizaron una autopsia que certifique la causa de muerte. Jim, fue encontrado por su novia, Pamela Courson, sin vida adentro de una bañera de su departamento en el barrio Le Marais, de París. Algunos allegados pusieron en duda esta versión, alegando "circunstancias extrañas" de su deceso. Una de las teorías más fuertes, indicó que El Rey Lagarto le tenía fobia a las agujas, por lo que no podría haber muerto de una sobredosis de heroína, tal como lo afirmó la historia oficial. "Contra el demonio dentro de ti mismo", reza el epitafio de su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, manifestando ese misterioso espíritu que lo acompañó durante toda su vida. 

Un día como hoy, hace 18 años, fallecía de un paro cardiorespiratorio María Gabriela Epumer, una de las mujeres más importantes del rock nacional. De gran talento para tocar el bajo y la guitarra, nacida en Villa Devoto el 1 de agosto de 1963, tuvo una vida breve pero intensa. Criada en una familia de músicos, Epumer comenzó a componer desde muy chica, llegando a zapar a los doce años con Pedro Aznar y David Lebón, que eran amigos de su hermano Lito. Su versatilidad técnica la llevó a debutar con 16 años en el primer disco solista de María Rosa Yorio.  Luego fue una de las integrantes Viudas e Hijas de Roque Enroll, la primera gran primera banda de rock & pop de mujeres en el rock argentino. Allí desarrolló su impronta compositiva junto a Mavy Díaz, Claudia Sinesi y Claudia Rufinatti a la par que causaron un verdadero fenómeno de convocatoria a través de hits de los años 80, como Lollipop, Solo nos quieren para eso y Bikini a lunares amarillos. 

“Leo el diario una vez por semana. La verdad es que la vida real no me interesa mucho. Me gusta más la otra”, fue una de sus frases que reflejan la ironía y el universo creativo de la cantante. Epumer ganó pronto reconocimiento de sus colegas y participó en grabaciones junto a Fito Páez, Luis Alberto Spinetta y Celeste Carballo. El talento musical la llevó a ser convocada por Charly García, para que forme parte de su banda, en 1993. Al año siguiente, grabó junto a Charly dos de sus hitos: La hija de la lágrima y el MTV Unplugged, en 1995, seguido de una gira por Estados Unidos y Latinoamérica. 

Por esos años, Epumer desarrolló en paralelo su carrera solista, con Señorita Corazón, su primer álbum solista, publicado en 1997. La cantidad de recitales y producciones en conjunto con otros artistas, la mantenían en actividad constante. A pesar de esto, en el 2000, grabó Perfume, su segundo y último disco solista que contó con participaciones de Fito Páez, Charly García, Robert Fripp, Fernando Samalea y Richard Coleman. "María Gabriela es un faro, no sólo por su legado musical, sino por su calidad humana", la recordó Mavi Díaz, una de sus amigas y colegas. Su fallecimiento la sorprendió en lo más alto de la carrera, pero su música quedará por siempre. 

 

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La escritora y periodista María Seoane conversó en Tarde a Tarde sobre "Momentos", un nuevo libro sobre la vida y obra de Ástor Piazzolla que escribió junto a Víctor Hugo Morales, a 100 años del nacimiento del ícono.

"Ástor es el Mozart del tango. Después de Ástor el tango tuvo una revolución, mi generación fue profundamente conmovida por este genio. El libro lo hicimos durante la pandemia y en un momento delicado de Víctor Hugo. Él sabe muchísimo sobre la historia musical del Río de la Plata y también trabajamos con un gran equipo en investigación", comentó en diálogo con Agustina Díaz e Ignacio Corral.

El libro "repasa en 30 momentos la música, el cuarteto, su vida personal, afectiva, su relación con el país y las cosas que nos dejó" y además está acompañado por un vinilo de "Piazzolla y su Quinteto en el Teatro Regina", una grabación en vivo de 1970.

Tarde a Tarde se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 17 a 20, con la conducción de Agustina Díaz e Ignacio Corral.

Cuando se habla de funk nacional, es inevitable mencionar lo que significó Willy Crook para la historia de ese género. Excéntrico y ecléctico, el cantante y saxofonista convivió con las leyendas del rock argentino y era prueba viviente de las transformaciones por las cuales pasaría cualquier artista tras 30 años en escena.

Por muy poco, Crook no fue el saxofonista oficial de Sumo. Aun así, oportunidades para adentrarse en el universo del rock no faltaron. Colaboró con Charly García, tocó junto a Pappo, formó parte de Los Abuelos de la Nada y estuvo con los Redonditos de Ricota cuando nadie sabía quiénes eran. La cultura de los '80 revolucionó su melomanía y aprovechó el frenesí para servir su pasión por los caminos que lo llevaron al arte.  

"En términos legales soy un compositor que toca con diversa facilidad diversos instrumentos. En realidad, soy un instrumento que a la música parece gustarle, acompañando cirugías. Insisto, soy un instrumento muy consentido", comentó Crook en una oportunidad sobre su trayectoria musical.

Aunque parecía encaminarse como solista, en 1997 se comprometió con Willy Crook & Funky Torinos, una banda que le permitió explotar la música que más escuchaba, que solía estar en inglés: funk, soul y jazz. Su talento lo puso en los mismos escenarios que James Brown Band, David Bowie, Gotan Project, Rita Marley, Matt Biando y Echo & The Bunnymen. "Yo estaba muy orgullosito y arrogante de mi memoria a largo plazo, pero cuando comenzaron a preguntarme cosas me di cuenta de que me acordaba del envase pero no del regalo. Tuve una vida muy rica en bandas porque fui muy promiscuo con la música, así que también tuve que recordar que soy muy rico en detalles", confesó en una entrevista.

A pesar de toda una vida dedicada a la exploración e innovación artísticas, irónicamente, el músico no se sintió a gusto con las nuevas modalidades que tuvo que adoptar el circuito cultural por la pandemia. El encierro en cuarentena no le cedió el gusto para el streaming porque le pareció vacío "tener que fingir un show sin el calor y sin el griterío".

"Su cuerpo bonito no quiso participar de ese futuro de apariencias injustas, no servía para viejo", escribió el Indio Solari para despedirse de su excompañero el pasado 27 de junio, día en que se conoció la noticia de su fallecimiento a causa de un ACV. En el mismo posteo utilizó una de las fotos del músico con su saxo, el joven que vivió un frenesí de bandas icónicas antes de los 25 y coronó su saludo con una frase que el mismísimo Crook repetía: "Los mejores artistas son los que ya no están aquí".

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.

 

El cantante puertorriqueño Chayanne festeja sus 53 años. El ícono del pop latina lanzó 14 álbumes de estudio y 2 en vivo, en una carrera cuya publicación más reciente fue “Di que sientes tú”, en 2018. Con más de tres décadas de trayectoria, en la que también se desempeñó como actor, su vida todavía tiene un espacio para las sorpresas y los sueños por cumplir. El próximo 20 de enero llegará a Argentina la secuela de “Sing: Ven y canta”, en donde Chayanne le pondrá voz a uno de los nuevos personajes, el león Clay Calloway. “Nunca sabes qué tan alto puedes llegar”, escribió en sus redes al compartir la noticia.

Nacido como Elmer Figueroa Arce un 28 de junio de 1968, en la ciudad de Río Piedras, Puerto Rico, fue su madre la que lo bautizó cariñosamente como Chayanne como una referencia a la serie de la televisión norteamericana de los sesenta, “Cheyenne”. Su primera experiencia en el mundo de la música fue a los diez años, cuando ganó una audición para ser parte del grupo musical infantil Los Chicos. 

A los 17 años comenzó su etapa solista que lo ubicó como un ícono del pop latino y las baladas románticas. A lo largo de su carrera logró vender más de 50 millones de álbumes en todo el mundo, gracias a éxitos como “Salomé”, “Torero”, “Un siglo sin ti”, “Candela” o “Lo dejaría todo”. 

Tian Firpo y Marcelo Ferrán son dos artistas que se dieron cuenta que algo le faltaba a las calles de Palermo: un justo homenaje a Charly García. Así nació el proyecto "Av. Charly García", una obra urbana que empuja los límites del muralismo y se adapta a la época de restricciones sanitarias.

"Marcelo me llama y me dice: ¿por qué no hacemos algo para Charly? Y a mi me pareció un delirio, medio que me agobió", contó Firpo en IP Cultural. La idea de su compañero había comenzado en medio de la pandemia cuando la única salida al exterior que tenía, en medio de la jungla de cemento, eran veladas intermitentes en la terraza del edificio donde también vive el músico. "Y lo de Avenida Charly García lo sacamos de una idea de él, que por ahí dibujando o haciendo cosas nos gusta escuchar entrevistas suyas o de Fito como", relató.

La proyección de la obra minimalista no fue del todo fácil: tuvieron que emprender un viaje que comenzó en enero para resumir lo que significa el músico para el público nacional. "Después de unos días de pensar, nos dimos cuenta que 'Yendo de la cama al living' era el slogan de la pandemia y las ideas empezaron a encuadrar", contó. Así comenzó la investigación: unos amigos ayudaron a graficar las tablaturas que representan el esquema musical del principio de la canción y buscaron imágenes específicas del sintetizador Obreheim usado para grabar ese tema en 1982. Y cuando decidieron presentárselo a Mecha Iñigo, la mujer de Charly, a ella le encantó y los animó a que le presentaran su idea. 

Aunque el proceso de producción no duró más que dos semanas (donde una de ellas constó en aprovechar un día lluvioso para limpiar la terraza para que quedara blanca), sí necesitaron una preparación especial para la obra. "Lo que tiene el muralismo es que es como dar un show, porque estás pintando muy expuesto; tenés que estar preparado. Y pintar en el abismo es una cuestión mental...al segundo día ya no nos importaba nada, pero la preparación es muy diferente a la soledad y comodidad de pintar en tu casa", explicó Firpo.

"Av. Charly García" pareciera ser una antesala del deseo del músico de dejar su marca en el barrio de Palermo. Esta obra, que funciona como introducción de su impronta en la historia cultural del rock argentino, también cambió la perspectiva de quienes lo realizaron: "yo estaba muy enfrascado con que los murales tienen que ser a la calle. Pero las terrazas...si vos lo mirás son espacios muertos...espacios que son normalmente abandonados y que por ahí con dos tachitos de pintura podés hacer una cosa muy linda que podés disfrutar todos los días. Como idea, nos abrió un espectro que no habíamos pensado", admitió el artista.

Podés ver IP Cultural, conducido por Valeria Delgado, todos los sábados a las 16 hs por la pantalla de IP Noticias

Hace mucho que no escuchamos sobre Paulo Londra, el trapero cordobés que rompió los límites de la popularidad nacional en 2019 pero que su fama fue silenciada abruptamente. El hashtag #FreePaulo volvió a traer a la conversación el caso del músico que vive con su carrera atada bajo una batalla legal por un contrato discográfico poco claro. Es que en 2019, según cuenta, durante su estadía en Colombia, donde trabajó incansablemente, fue engañado y firmó un contrato que lo obligó a ceder todos los derechos de sus canciones, incluso su propia voz.

Compañeros artistas como Duki, Lil Killah, Tiago PZK, Nicki Nicole, Bizarrap y Abel Pintos expresaron su apoyo a Paulo en sus redes sociales. Inclusive la cantante de folklore Soledad Pastoruti invitó a impulsar la movida en Twitter cuando posteó: “Free Paulo! Mi gente se prende con esto? Me siento muy identificada con él...viví algo parecido...menos grave quizás pero sé lo que se siente y en ese momento el apoyo de la gente y algunos colegas me hizo muy bien!!”.

¿Por qué se desató la batalla legal entre Paulo Londra y el sello discográfico?

El camino a la fama de Paulo Londra comenzó en 2017 luego que su primer tema alcanzara el primer puesto de la lista de Spotify de argentinos más reproducidos en la plataforma. Sus colaboraciones con la banda colombiana Piso 21 con “Te Amo” y Becky G con “Cuando te besé” lograron asegurarse los primeros puestos en Billboard Argentina Hot100. Después de llenar cuatro fechas en el Teatro Gran Rex, lanzó “Adán y Eva”, con que el conquistó las tablas de Billboard y ganó el Premio Gardel a “Mejor Canción/Álbum de Músico Urbana”.

Ya para 2019, el trapero era parte del line-up principal del LollaPalooza, junto a Kendrick Lamar y Lenny Kravitz. También fue incluido en el álbum "No.6 Collaborations Project" de Ed Sheeran, cantando junto a él “Nothing on You”. Ese mismo año firmó un contrato con la productora Big Ligas por medio del cual entregó el derecho de todas las canciones y su voz hasta el 2025.

En una carta publicada a fines de mayo, el cantante reveló que el proceso había sido más que maquiavélico: “Hice música como un loco; a los 19 me fui meses a Colombia y grabé sin parar. Podía hacer hasta 6 temas por día, gracias a esta disciplina que tenía del freestyle”, cuenta Londra. Allí corroboró que "se hizo amigo” de los dueños de Big Ligas, los productores Ovy On The Drums y Kristo. Y un día, uno de ellos le propuso filmar un video para redes sociales donde se lo viese firmando “unas hojas” para demostrar que eran un “equipo fuerte”.

Londra declaró que solo después del video y su firma le comentaron que se reunirían con los abogados Stephanie Chopurian y Matt Greenberg para leer lo que él le había puesto firma. “Volví a casa diciendo que firmé un contrato el cual meses después enviaron copia”, contó. Cuando el cantante se negó a las pautas que se le estipulaba, comenzó la batalla legal.

"No pasó mucho tiempo, que Matt Greenbery envió una carta de intimidación a mí y a mi padre (un abogado que supuestamente velaba por mí) en donde nos mostró la verdadera cara del contrato que firmé con Ovy y Kristo, en donde no era un verdadero socio/artista".

 

Nacido en Córdoba, hijo de una familia de tangueros y jazzistas, Juan Ingaramo llegó al fútbol profesional a los 15 años, para luego pegar el volantazo con la música. A los 20 años, comenzó una profunda exploración musical que lo llevaría a revisar la identidad cultural pop del momento.

"Fui promotor, vendedor, tocábamos en los subtes y trenes. Eramos tres pibitos que tocábamos temas de Los Beatles. Una vez hicimos casi 1000 pesos en la idea y vuelta en el tren del Tigre. Hasta que un día vinieron unos vendedores pesados y nos dijeron 'Che, se bajan en la próxima o les rompemos todos los instrumentos'", recordó Ingaramo, que en ese momento estaba recién mudado en Buenos Aires. Esos comienzos marcaron una etapa de synth-pop influenciado por bandas como Miranda! o Babasónicos. También colaboró con artistas como Lito Nebbia e inclusive llegó a ser el baterista de la banda de Osvaldo Laport. 

A fines de 2018, recorrió Colombia para interiorizarse en ritmos caribeños y las nuevas propuestas de los productores de reggaetón. Cuando puso en promedio todas sus influencias, descubrió su faceta de música urbana, una que está explotando como mezcla entre lo pop, lo bailable y el trap latino. Ingaramo reconoce que no está metido en reproducir los estereotipos líricos del género y vuelca más poesía romántica a sus letras en lugar de las eternas alusiones al sexo o las fiestas. "Dentro de eso que se llama música urbana tampoco soy de manual. Es un lugar que me divierte. No lo pienso tanto. No es que armo la historia o el producto, soy como suena", admitió el músico.

Ese tipo de sinceridad se ve en su último lanzamiento, llamado "Casamiento", un single urbano dedicado a su pareja, Violeta Urtizberea. A ella también le atribuye su crecimiento como artista, ya que admite que Urtizberea le enseñó a relacionarse con las marcas y a difundir su trabajo.

En 2019 fue nominado a un Grammy Latino bajo la categoría "Mejor Artista Nuevo". La exploración de Ingaramo por encontrar un ritmo que se adapte a su identidad es un abanico de canciones con potencial de hits.

El Planeta Urbano se emite por IP todos los sábados a las 23 hs con la conducción de Luis Corbacho.

Si algo cambió el rumbo de la historia de la cultura pop fue la presencia de Paul McCartney en Los Beatles. El músico melómano nació el 18 de junio de 1942 en Liverpool, la icónica ciudad que dio origen a muchas de las estrellas del pop británico. El joven Paul, además del talento, tenía herramientas para desarrollar su don: su casa estaba equipada con un piano, tenía una trompeta que le pertenecía a su padre y una familia que apoyaba el amor inherente que tenía por la música.

Liverpool era una ciudad con una pequeña cantidad de habitantes, caracterizado por su tenor de clase trabajadora. Era cuestión de esperar a que McCartney se cruce en un bus con George Harrison, donde comenzaron a entablar una profunda amistad desde los 12 años. Después de dos años, también se tope con John Lennon. La química entre ambos fue tan inmediata que McCartney enseguida fue invitado a participar como primera guitarra, instrumento que tuvo que dejar cuando la banda quedó sin bajista). "Ese fue el día...el día que conocí a Paul todo comenzó a moverse", dijo Lennon.

Apenas Ringo Starr ingresó a The Beatles, comenzó el ascenso legendario. La banda rompió el paradigma pop con su primer hit "Love Me Do" en 1963 y empezó la histeria que muchos historiadores dedicados a los estudios contemporáneos llamaron "la beatlemanía". McCartney y Lennon funcionaban como el vector de la banda, debatiendo, discutiendo y componiendo.

El fenómeno duró diez años antes que McCartney decidiera dejar la banda, reconociendo que los intensos períodos de gira los había llevado a "perder sus almas". A pesar de que la ruptura lo llevó a la depresión, su esposa Linda lo ayudó a proyectar su nueva idea: Wings. Paul logró conectar lo suficiente con su nuevo proyecto para sobrevivir inclusive al asesinato de Lennon.

 

 

La cantante y actriz argentina, Elena Roger dio detalles de Evita, el musical de Andrew Lloyd Weber presentado en Broadway, en 2012, que la tuvo como protagonista principal junto a Ricky Martin. En diálogo con Nicolás Artusi en Imagen positiva, la actriz contó que "Fue una experiencia que no la tenía entre mis deseos. Lo único que siempre pedí es poder estar en sobre un escenario toda mi vida y de repente, hacer presentaciones en Inglaterra o Estados Unidos, me hizo preguntarme qué más podía haber después de eso; es algo que no me voy a olvidar nunca", declaró. 

Además, Roger se refirió a su presente con Escalandrum, la banda liderada por Daniel "Pipi" Piazzolla, y sus varias colaboraciones junto a la agrupación de jazz que dirige el nieto de Astor Piazzolla. "Ellos son como un cardumen; uno propone y van todos detrás. Cada vez que me junto con ellos para tocar me siento súper privilegiada. Nos llevamos bien y sentimos que hacemos una buena unión hasta llegar a la amistad", remató. Sus canciones del Proyecto María Elena Walsh, un homenaje a la reconocida compositora argentina, tienen cinco nominaciones a los Premios Gardel. "El Reino del Revés y Como la cigarra, son dos discos hermosos. Los chicos pusieron su magia para hacerlos y estamos muy felices con el resultado", declaró. 

Podés ver Imagen Positiva de lunes a viernes con Paloma Bosker y Nicolás Artusi de 9 hs a 12 hs por IP Noticias. 

 

Netflix anunció que en 2022 estrenará una serie sobre el nacimiento y posicionamiento en de Spotify, pero ¿Por qué?, ¿Qué tiene de especial?

Hoy Spotify acumula más de 230 millones de usuarios en 65 países y es la plataforma de música más popular a nivel mundial, pero en 2006 todo era diferente. Los programadores suecos Daniel Ek. Endre y Martin Lorentzon tenían carreras paralelas en el mundo de la tecnología cuando decidieron unir fuerzas en una novedosa plataforma de música: esta no tendría los derechos de las canciones, sino que simplemente daría acceso a ellas. Pero lo simple se torna difícil cuando se trata de discográficas multinacionales y competir con un gigante en el mercado como Apple y el mismo Steve Jobs.

Esta película ficticia jugará con la misma lógica de "La Red Social" que cuenta la historia de Facebook y estará basada en el libro Spotify Untold, publicado en 2019 por Sven Carlsson y Jonas Leijonhufvud.

Según adelantaron que Edvin Endre, de Vikings, encarnará al CEO y fundador de Spotify, Daniel Ek. Endre, Christian Hillborg tendrá el papel de Martin Lorentzon, cofundador de la empresa y Ulf Stenberg (Beartown) hará el papel de Per Sundin, exdirector general de Universal Music Sweden, uno de los primeros en confiar en el proyecto.

Hace 72 años nació Mario Rubén González, conocido por todos como Jairo, uno de los máximos intérpretes de la canción popular argentina en medio siglo. Con más de 800 temas interpretados en español, italiano y francés, destaca en el imaginario cultural argentino por temas como "Revólver", "Nos verán llegar" y "Amigos míos, me enamoré", entre otros clásicos inoxidables. Considerado por Mercedes Sosa como "la mejor voz de la Argentina", Jairo nació el 16 de junio de 1949, en Cruz del Eje, Córdoba. De muy joven demostró grandes aptitudes para el canto, hasta que en 1970 el cantante Luis Aguilé lo escuchó y le propuso firmar con la compañía CBS en España. El joven Jairo no dudó: viajó y al año siguiente, en 1971, ganó el primer Premio de la Crítica y el segundo lugar en el Festival del Sol. Inmediatamente fue contratado por la discográfica Ariola 3, una de las pioneras en la canción europea de la época. La llegada de la última dictadura cívico-militar lo llevó al exilio en Francia, a la par de otros artistas argentinos obligados a irse del país

En Francia frecuentó la élite intelectual latinoamericana y conoció a Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla, Mercedes Sosa y Julio Cortázar entre otros. Grabó de Piazzolla y Ferrer "Milonga del trovador". En el fin de la dictadura, volvió a la Argentina e interpretó una emotiva versión del Himno Nacional Argentino en la 9 de Julio, donde se reunieron unas 1,2 millones de personas. "Soy de una tierra hermosa de América del Sur", dice al comienzo de "Milonga del trovador", una de sus interpretaciones más recordadas. Admirado por Juan Carlos Baglietto, Víctor Heredia, León Gieco y muchos colegas que luego se transformaron en amigos, su legado trasciende las fronteras de la canción para todo el mundo. 

Una voz que hipnotiza bajo el ritmo del jazz, eso era Ella Fitzgerald, la cantante afrodescendiente apodada como “primera dama” o “reina” que revolucionó un género musical que por aquel entonces parecía haberse estancado. Falleció un 15 de junio de 1996, pero dejó un legado de representación en el arte.

Aun así, su historia no fue siempre fácil. Fitzgerald tenía un trasfondo complicado: mientras lidiaba en su hogar con un padre abusivo, la artista comenzó a trabajar como guardia en un burdel de Harlem. Esto hizo que fuera separada de su familia por servicios sociales y luego tuvo un paso por el reformatorio. 

Poco después de su debut en el Teatro Apollo, donde todo el mundo quedó atónito ante su versión de la canción “Judy”, Fitzgerald conoció a Chick Webb, un icónico músico de jazz de la época. Su adaptación de la canción infantil “A-Tisket, A-Tasket" fue la que la lanzó al estrellato. Pero eso significaba una cosa muy distinta en la época de la segregación: Ella solo cantaba en circuitos de "música negra", pequeños bares y casas de jazz que permitían a los intérpretes de color presentarse.

Fue en uno de estos "antros del jazz" que la escuchó Marilyn Monroe, que quedó absolutamente obsesionada con su voz. "Fue gracias a ella que comencé a tocar en el Mocambo, un boliche muy popular de los '50. Ella llamó personalmente al dueño y le dijo que quería que fuera contratada de inmediato. Si lo hacía, ella se sentaría en la mesa de adelante todas las noches", contó Fitzgerald en una entrevista en 1972.

La cantante pasó a ser una sensación internacional y se convirtió en la primera mujer afroamericana en ganar un Grammy en 1958. De hecho, esa edición de los premios la condecoró con los premios por Mejor Performance de Jazz y Mejor Voz Femenina. Trabajó en una película de Abbot y Costello e inclusive realizó una canción para Dr. Martin Luther King Jr.

En sus últimos años, la cantante sufrió numerosos problemas de salud que la llevaron a retirarse en 1991 a los 74 años. Unos cinco años después y luego de haber sufrido varias complicaciones por su diabetes, falleció en su casa de Beverly Hills. Sin embargo, la voz de Ella Fitzgerald jamás fue acallada: su nombre es sinónimo de jazz y su estilo vocal es uno de los más icónicos que tiene la historia de la música universal.

Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.