Desde Miami y luego de grabar su nuevo disco con 10 canciones nuevas, solo al piano y voz, Fito Páez dialogó con Marina Glezer durante el programa "Pasajera en trance" de AM 750. "Son tiempos extraños, la gente está desconcertada. Nadie sabe nada y cada vez menos. Yo tuve la suerte de agarrarme a lo que hago, escribir y hacer música; y ahora tuve la suerte de grabarla. Por el momento no me internaron en ningún nosocomio ni terminé en ninguna comisaria. Lo cuál es un buen síntoma", dijo -no sin ironía- sobre el estado de extrañeza que genera la pandemia en la humanidad.
Sobre la notable repercusión del público, y también en premiaciones nacionales e internacionales, de su disco "La conquista del espacio", el cantautor rosarino reflexionó que "de alguna manera lo que hago es encontrar espacios de libertad donde poder expresarme cómo quiero, sin tapujos, sin límites, sin bordes. Intento hacer todo el tiempo, a veces a algunos les cae bien a otros no... Son los gajes del oficio, tampoco le puedo caer simpático a todo el mundo".
Además, Fito Páez anticipó detalles de una serie autobiográfica que está en proceso de escritura. "La está escribiendo Francisco Barone, que también es un gran escritor y un cineasta de lujo, basada en una autobiografía que escribí el año pasado. De ahí saldrá una primera temporada para Netflix".
Michael Philip Jagger supo inventarse como uno de los íconos culturales más grandes del Siglo XX. El compositor, músico y rockstar, cantante y principal figura de los Rolling Stones -la banda de rock más grande del mundo- nació un 26 de julio de 1943 en Kent, Reino Unido, pero su verdadero hogar sería la pasión absoluta por el rock and roll. Su inconfundible tono de voz barítono comenzó a entonar canciones en la década del ´60, mientras estudiaba en la London School of Economics de Londres. En ese momento, Jagger se reencontró con un amigo de la infancia, Keith Richards, y empezaron a hacer canciones.
Fue el inicio de una relación que los uniría hasta hoy como una de las duplas compositivas más importantes de la cultura musical contemporánea. Sus 78 años lo encuentran en plena actividad creativa, con más de cinco décadas de carrera y reconocimientos de todo tipo. Con los Stones, supo reinventarse y estar siempre a la vanguardia del rock, creando uno de las bandas más importantes del planeta. "Si pierdes tus sueños, es muy probable que pierdas tu mente", es una de sus frases más recordadas, que lo reflejan en su espíritu inquebrantable.
Mick Jagger innovó como nadie en los géneros del rock, blues, hard rock y variantes del rhythm and blues. Es considerado un pionero de la música moderna, con temas que traspasaron culturas como Angie, Satisfaction, Paint It Black y Start Me Up. El talento de sus bailes frenéticos en el escenario, con aleteos e inflamaciones de pecho que recuerdan a un gallo de riña, fue otra de sus características copiada por miles de rolingas en el plano local. Su vestimenta de pantalones ajustados, camperas coloridas y flequillo mantenido hasta el día de hoy, marcó tendencia por generaciones. Su carrera solista y grupal fue multi premiada, con el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll, tres Grammys y un Golden Globe. En 2003 fue nombrado Caballero de la Orden del Imperio Británico por sus contribuciones a la música contemporánea.
Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.
Mario Siperman es tecladista de Los Fabulosos Cadillacs, entre otras cosas, pero asegura que “los Cadillacs ha creado una identidad en mi persona”. Asegura que todos los miembros de la banda son muy inquietos y que todos tienen numerosos proyectos paralelos, “pero que ninguno es celoso”. Si bien Siperman señala que hizo mucha música durante la pandemia, ahora volverá al ruedo con su grupo para una serie de conciertos en Estados Unidos, con paradas en ciudades como Chicago y Miami.
“Una persona me inculcó una manera particular de trabajar: trabajar mucho y no estresarse. Mi nuevo axioma consiste en que cuantas más cosas hacés, más tiempo libre tenés. Si ejercitás tu cerebro y lo entrenás, menos te va a costar. Además, aprendés a organizarte y el tiempo te rinde más −dijo−. Ahora hago muchas cosas, pero sigo durmiendo la siesta”.
Desde hace ya 10 años, Siperman lidera un proyecto que homenajea al músico Leonard Cohen: “La música me buscó a mí”, afirmó, en referencia al inicio de esta idea. “Vicentico estaba tarareando una canción de Cohen en inglés. Y pensé ‘Qué bueno un disco de Vicentico en donde interprete a Cohen en español’. Se lo conté a él y le gustó, pero con las giras el proyecto quedó estancado”. Después, un día, Manuel Quieto, de la Mancha de Rolando, fue al estudio con Siperman, quien le contó del homenaje. A Quieto le encantó el plan, y esa misma noche le devolvió una versión. “Esa fue la primera semilla para la participación colectiva”.
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Hace una década Amy Jade Winehouse murió en su casa de Londres por una intoxicación etílica. Tenía 27 años, dato que la condujo directo al Olimpo de las estrellas de rock que -a esa edad también- cumplieron el axioma “vivir rápido, morir joven”: Jim Morrison, Janis Joplin, Jimi Hendrix y Kurt Cobain entre otros.
Detrás del trágico final en la vida de una chica inglesa blanca que cantaba como una sirena llena de soul, emerge una compleja historia familiar. Sus progenitores se separaron cuando ella tenía 8 años y a partir de ese momento, la niña luego adolescente vivió desamparada de contención familiar. Biografías y documentales sobre su vida y obra hablan de un “padre ausente”, reaparecido justo en el momento en que Amy ya empezaba a ser famosa.
De ahí, y con Mitch Winehouse al mando de las finanzas de su productiva hija cantante, surgieron las rispideces en el entorno familiar. La adicción de Amy al alcohol era conocida e incluso tolerada por su padre, quien al principio justificaba el problema y lo relacionaba con la juventud y ciertos desengaños amorosos. A pesar de las constantes peticiones para que acudiera a rehabilitación, Amy nunca hizo caso. Y redobló la apuesta: su mayor hit, Rehab, ironizaba sobre la situación. “Intentaron hacerme ir a una clínica de rehabilitación, pero dije: no, no, no", son los elocuentes primeros versos de una extraordinaria canción, un clásico instantáneo del soul en el siglo XXI.
A pesar de todas las adicciones y su constante negativa a rehabilitarse del todo, Amy no quería morir. El día antes de su muerte, la artista le aseguró al médico que la visitó que ella quería vivir, según la biografía Stronger than her (Mas fuerte que ella). Sin embargo el alcoholismo y la bulimia, sumados a un enfisema pulmonar derivado de fumar crack, la destrozaron por dentro.
Narrado por su madre Janis Winehouse-Collins, Reclaiming Amy presenta imágenes intimas, fotos familiares y entrevistas con amigos cercanos. Winehouse-Collins, quien tiene esclerosis múltiple (EM), rara vez ha hablado públicamente sobre su hija, pero comparte su versión de los eventos en un documental de la BBC que se estrena en el Reino Unido, en el décimo aniversario de la muerte de la cantante.
El músico Roberto Palo Pandolfo fue encontrado muerto este jueves en la Ciudad de Buenos Aires. Si bien aun se desconocen las causas de su fallecimiento, personal de la Comisaría Vecinal N° 6 de la Policía de la Ciudad informó que cayó inconsciente en la Avenida Díaz Vélez 5200, en el barrio de Caballito. Rápidamente se solicitó la presencia de una ambulancia del SAME.
Con Don Cornelio y La Zona (1987), la banda que integraban Palo, el guitarrista Alejandro Varela, el bajista Federico Ghazarossian, el tecladista Daniel Gorostegui, el baterista Claudio Fernández y el saxofonista Fernando Colombo, se convirtió en referente del rock argentino de la era. Su segundo y último disco de estudio, el oscurísimo Patria o muerte (1988) cerró la historia de la banda, con el agregado de un disco no planeado en vivo que aparecería recién en 1996.
La historia de Los Visitantes fue mucho más extensa, con cuatro discos de estudio (Salud universal, Espiritango, Madetrita y Desequilibrio), el disco en vivo En caliente y la recopilación despedida Herido de distancia. Así, entre 1993 y 2000 la banda que comenzó su recorrido con Ghazarossian, Gorostegui, Karina Cohen y Jorge Albornoz expandió el universo sonoro, partiendo del pospunk que caracterizó a Don Cornelio para abrevar en músicas que podían ir del pop a lo acústico, las músicas latinoamericanas y hasta algún aire tanguero.
Pandolfo inició su camino solista en 2001 con A través de los sueños, disco que abrió una nueva cadena de creaciones de un Pandolfo cada vez más libre en sus elecciones estilísticas, en los últimos tiempos respaldado por su banda La Hermandad. Los últimos lanzamientos fueron los tres volúmenes de El vuelo del dragón, discos en vivo en los que combinó canciones solistas con algunas de sus ex bandas. En todo ese recorrido, además, el músico le dio también especial protagonismo a su devenir poético; como uno de los grandes impulsores del grupo de poetas Verbonautas, en los años '90 convocó a recitales de poesía que se desarrollaban a sala llena, con un público tan enfervorizado como si se tratara de un recital de rock.
Según información de la Comisaría Vecinal 6, este jueves un transeúnte que caminaba por la Avenida Díaz Vélez lo habría visto caer al piso y perder el conocimiento. Luego de que fuera trasladado al Hospital Durand se confirmó su fallecimiento a las 15.25 de este jueves y se instruyó la investigación de la causa.
Palo Pandolfo es un rockero de las primeras cepas nacionales que sigue produciendo música y animándose a explorar nuevos territorios melómanos. El ex "Los Visitantes", que había recuperado visibilidad con el disco "Transformación" en el 2016, le puso su impronta al 2021 con "Tu Amor" un tema que comparte junto a Santiago de "Él Mató a un Policía Motorizado".
"En vez de hacer discos eclécticos quería hacer discos con concepto", comentó Pandolfo y señaló que su nuevo disco se trató de un viaje introspectivo que coincidió con los momentos de restricción sanitaria. El músico describe su nueva obra como música de "canta autor", un ritmo que acompaña de manera íntima a todos los músicos sin la necesidad de show.
El artista confiesa que el nuevo disco comenzó a ser gestado hace cinco años, pero recién en el 2020 fue cuando se puso en campaña para componer y darle forma concreta. "Lo que más quiero es cantar en este disco, no estar subido a una bola de adrenalina. Para mi es un ejercicio de depuración, el piano, cantar con la voz más guardada...no estar en el grito primal ni el aullido salvaje. Cantar canciones despojadamente", describió mientras hablaba de su nueva búsqueda musical.
El tema "Tu Amor" juega con ritmos melódicos y un pop que está lejos de lo electrónico. Palo aprovecha la segunda voz de Santiago Motorizado para entenderse con su lírica y volver al circuito que describe como "etapas de autodescubrimiento", donde cree que es momento de entenderse desde un punto de vista íntimo.
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La Facultad de Periodismo y Comunicación Social de la Universidad Nacional de La Plata entregará el Premio "Rodolfo Walsh" a la Comunicación Popular al Indio Solari, como "referente indiscutible de la música, la cultura, la política y la comunicación" y por "su responsabilidad con la palabra y los procesos sociales y su compromiso con la defensa de los derechos humanos".
En la propuesta, los consejeros de la agrupación afirmaron que creen fundamental reconocer en quien fuera la voz cantante de Los Redondos, "la grandeza y sensibilidad para expresar los sentidos, las voluntades, las miserias y las emociones colectivas, y su determinación para involucrarse en la defensa de los intereses y el bienestar del pueblo".
Por otra parte, Solari, de 72 años, será destacado por "sentar posturas claras y coherentes frente a problemáticas y debates de la sociedad, invitando a la reflexión y a tomar partido. Sin duda alguna, esto resulta un valiente acto de responsabilidad, más aún cuando eso implica cuestionar y confrontar las voces monopólicas y hegemónicas antipopulares".
Por su parte, la decana de la mencionada Facultad, Andrea Varela, destacó la propuesta de la agrupación estudiantil y afirmó: "el Indio es como Diego Maradona, ambos son personas que logran unir al pueblo y a varias generaciones". "Además, las luchas del Indio son las que siempre nos encuentran militando. No es casual que siempre sea atacado por los poderes hegemónicos", añadió.
El popular videojuego Roblox cerró una alianza con la discográfica Sony Music para crear en conjunto experiencias musicales innovadoras para la comunidad de la plataforma. Al igual que en Fortnite, Roblox ya experimentó con shows en vivo en su universo. El primer show fue el de ya Lil Nas X en 2020 y en 2021 Sarah Larzon realizó un "listening party".
Al mismo tiempo, Roblox se encuentra negociando con otras discográficas y prevén que esto generará nuevas oportunidades comerciales para los y las artistas mediante ingresos por vías virtuales.
"Es importante porque por la pandemia la industria discográfica perdió mucho de sus ingresos y el tour digital se va a convertir en una de las principales fuentes de ingreso para los músicos", vaticinó Rippy Rizza.
De todas maneras, no todo es lo que parece: en junio, la Asociación Nacional de Editores de Música de Estados Unidos (NMPA) presentó una denuncia contra Roblox por 200 millones de dólares como compensación de la música utilizada de forma ilegal en los streaming del videojuego.
Malditos Nerds se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 23:30 a 00:00, con la conducción de Rippy Rizza y Guillo Leoz.
Un día como hoy, hace 86 años, nació Haydée Mercedes Sosa, "La Negra". La coincidencia de su natalicio, el 9 de julio de 1935, con el Día de la Independencia argentina, pareció un sortilegio del azar para quien honró a Latinoamérica con su voz. Referente indiscutida del Nuevo Cancionero latinoamericano, sus interpretaciones bañadas de potencia y esperanza, dejaron una profunda marca en la historia del folklore. Cantora de amplia cultura y compromiso social, empezó su carrera artística a los 15 años, en San Miguel de Tucumán, la ciudad en la que había nacido. Sus primeras interpretaciones intercalaron boleros con el cancionero de Antonio Tormo y Margarita Palacios. "Vos vivís el momento más glorioso de tu vida cuando cantás; para un artista no hay instante más elevado, más sublime", es una de las frases que reflejaron su profunda pasión a la hora de subir a un escenario.
Su crecimiento artístico que empezó en 1953, con el lanzamiento de su primer álbum "La voz de la zafra", se intensificó hasta explotar con la llegada del boom de la música folklórica en los ´60. "Todo lo que canto es verdad, todo lo que vivo es verdad", expresó en otra de sus declaraciones a la prensa, cuando ya era conocida en todo el continente por canciones como "La maza", "Duerme negrito" y "Sólo le pido a Dios". Iniciadora del "Movimiento Nuevo Cancionero", un grupo de artistas que cantaban sobre las desigualdades sociales y la lucha de clases, se mudó a Buenos Aires en 1965, el mismo año en que deslumbraría al mundo con su actuación en el Festival de Cosquín. Las referencias musicales de La Negra, fueron ampliándose a medida que se hacía conocida en Latinoamérica, con autores como Jorge Cafrune, Ariel Ramírez, Atahualpa Yupanqui y Violeta Parra.
Debido a su fuerte posicionamiento a favor de los más necesitados, Mercedes Sosa fue perseguida por la dictadura cívico-militar de 1976. De familia peronista, "La Negra", que en su juventud se había afiliado al Partido Comunista, terminó abrazando la causa de Juan Domingo Perón. Luego del Golpe del 24 de marzo de 1976, la cúpula de la dictadura la ubicó en una lista negra de artistas, hasta que fue detenida en el escenario de uno de sus recitales, en 1978. “No se puede cantar con miedo. No tuve miedo ni cuando me amenazó la Triple A. Si la mala va a venir no importa, pero no se puede tener miedo al cantar", recordó años más tarde, cuando tuvo que partir obligada al exilio, en 1979. Esos años los pasó en París y Madrid, mientras en Argentina estaba prohibido pasar su música en las radios. Allí tuvo contacto con otros artistas exiliados, como Horacio Guaraní, Jairo y Atahualpa Yupanqui. Porque me duele si me quedo / pero me muero si me voy , fueron las estrofas de Serenata para la tierra de uno, una de las canciones de María Elena Walsh que grabó reflejando el dolor de estar lejos de su patria.
Sosa, que ya era conocida como "La Voz de América", volvió al país en 1982. Por estos años, su reconocimiento se expandió de manera fenomenal, incluyendo otros rubros de la canción como la bossa nova, el tango y el rock. Artista de la talla de Chico Buarque, Milton Nascimiento, Gustavo Santaollalla y Charly García, le abrieron un panorama inédito a la cultura musical. Admirada por todo el arco de autores y compositores del rock nacional, "La Negra" comenzó un romance interminable con este género, que le valió grandes colaboraciones y reconocimientos. “Soñábamos, pero nunca imaginé que la vida me iba a llevar tan lejos. Nunca llegué a soñar todo lo que me iba a pasar en la vida”, declaró en una de sus últimas entrevistas, cuando le consultaron por el camino recorrido. Su último disco, titulado "Cantora" (2009), es una síntesis de todas esas voces que fue sumando a lo largo de su historia, con colaboraciones de Charly García, Fito Páez, Joan Manuel Serrat, Caetano Veloso y Shakira. "La cultura es lo único que puede salvar a un pueblo; lo único, porque permite ver la miseria y combatirla. Permite distinguir lo que hay que cambiar y lo que se debe dejar, como la bondad de la gente", es una de sus frases inmortales que revelan ese espíritu comprometido al cantar.
Gente que nos hace bien es una sección presentada por Maximiliano Legnani en Somos PM, que se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 14 a 17, junto a Pía Slapka y Ana Sicilia.
Roger Waters y Nick Mason estudiaban arquitectura en el Politécnico de Londres cuando decidieron formar The Tea Set, un quinteto de rock underground que había conquistado al público de culto de los circuitos británicos. Pero así como John Lennon dijo que "todo comenzó a moverse realmente" cuando llegó Paul McCartney a The Beatles, la banda casual de estudiantes dio un giro de 180 grados cuando conocieron a Syd Barrett, cantante y guitarrista. Así, el 5 de julio de 1964 se formó Pink Floyd, la banda que rompió el paradigma del rock y abrió paso con su sonido único.
Barrett fue quien llevó la banda a un nuevo nivel y propuso que su deontología se tratara de magia psicodélica, filosofía y una fusión de estilos experimentales. Su primer single See Emily Play llegó al Top 10 de Inglaterra y encarnó el espíritu del "Flower Power" británico, que sumaba mucho más de cinismo Beat que el movimiento en Estados Unidos.
Pink Floyd fue contracultura para aquellos que rechazaban los ritmos más "pop" de Bob Dylan y The Beatles; se transformó en la cristalización de una visión más adulta a la era de la desobediencia civil. El debate constante sobre el género de la banda subyace en que la experimentación y los procesos de los integrantes partían de una formación musical y personal con una perspectiva completamente distinta. Esto fue lo que finalmente desató una desincronización cíclica que se desenlazó en la separación de la formación original, donde cada uno se aisló y buscó su camino propio luego de perder al espíritu intempestivo de Barrett, a quien el abuso de drogas como el LSD lo llevó a tener un comportamiento demasiado errático como para seguir en la banda.
Pink Floyd fundó los arquetipos de dos de los géneros que se fundaron gracias al cuello de botella entre el rock de Elvis Presley y la popularidad del jazz y blues: el rock psicodélico y un rock progresivo con bases bluseras. Su impronta de crítica política reflejó una sociedad que había comenzado a caer estrepitosamente ante la realidad de la Guerra Fría.
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La cantante y presentadora Raffaella Carrà falleció este lunes a los 78 años, tras lidiar con una enfermedad de la que aún no se han dado detalles. El ícono pop italiano que conquistó al público latinoamericano con sus temas Hay que venir al sur y 03-03-456 se había retirado del ojo público en el 2016, cuando anunció que quería "ser el testigo de las nuevas generaciones de la televisión".
"Tenía una fuerza imparable, que la llevó a la cumbre del star system mundial, una voluntad férrea que no la abandonó hasta el último minuto, haciendo que no se filtrase nada de su sufrimiento. Es el enésimo gesto de amor hacia su público y hacia los que han compartido el afecto, para que su calvario personal no turbase su recuerdo luminoso", declaró su pareja Sergio Japino.
Carrà había comenzado su carrera en el cine a los nueve años y siguió actuando localmente hasta 1965 para luego participar de producciones de Hollywood como Von Ryan's Express, una película protagonizada por Frank Sinatra, Edward Mulhare y Trevor Howard. También acompañó su carrera de actuación con sus performances en programas de variety, donde aprovechaba para bailar y cantar canciones que la convirtieron en un ícono pop a pesar de las críticas que tuvo por parte de la Iglesia católica.
Se convirtió en una de las primeros símbolos gay gracias a la explosión de su tema Tanti Auguri (Hay que venir al sur) y su trayectoria le llevó a ganar el premio World Pride en el 2017 como embajadora del amor.
Luego del cierre obligado por las restricciones impuestas por la pandemia, el Centro Cultural Kirchner reabrió sus puertas para ofrecer conciertos presenciales durante todos los fines de semana. Tristán Bauer, ministro de Cultura de la Nación, dialogó al respecto con Melina Fleiderman en IP Noticias: "Es una reapertura que hacemos cuidando todos los protocolos". El CCK reabrió sus puertas el viernes nada más ni nada menos que con un concierto en homenaje a Astor Piazzolla. Éste forma parte del ciclo Piazzolla 100 que cuenta con la recreación de sus formaciones emblemáticas, como la Orquesta del ´46 y el Octeto Buenos Aires.
Además, el centro cultural tendrá un ciclo de música académica y se brindará un homenaje a Chabuca Granda en el que participará Sandra Mihanovich. También en la programación se destaca Cantos del Tucumán, de Alberto Ginastera y durante todo julio habrá actividades presenciales en la Sala Argentina para toda la familia.
Durante gran parte del 2020 las actividades culturales debieron readaptarse al nuevo contexto de pandemia. Frente a esto, el ministro destaca: "La cultura nunca se detiene; es una construcción de los pueblos. Lo que tuvo una limitación son las distintas actividades artísticas. Tener que cerrar las salas de conciertos y los teatros tuvo un gran crecimiento de la otra forma de expresión: las formas virtuales".
Bauer se mostró optimista y aseguró que, con el avance de la vacunación, de a poco se van a ir retomando las actividades culturales y destacó: "Esperamos que los artístas se reencuentren con su público".
Sofía Carmona es locutora, periodista y especialista en cultura joven. De visita en Redacción IP, analizó los dichos de la vicepresidenta Cristina Fernández sobre los músicos L-Gante, Wos y Trueno.
"En principio ella hace esa referencia porque le está hablando a pibes y pibas que podrían encontrarse en la misma situación si tuvieran una compu y, como es una entrega de computadoras, está bueno el enganche", dijo respecto al discurso de la mandataria en el marco del lanzamiento del Plan Conectar Igualdad Lomas de Zamora.
Sofía remarcó que si bien la música de Trueno, L-Gante y Wos deviene del hip-hop, el trap y las batallas de freestyle, las etiquetas se quedan cortas. "Yo llamaría artistas a los músicos", dijo.
"Creo que esta cultura mucha gente elige ignorarla. Quizás tienen primos, sobrinos que escuchan esta música y les dicen '¿Podés sacar esa música molesta?' y no se está permitiendo conocerla. La cultura de hoy en día es de nichos, de cosas muy puntuales, y empieza a pasar eso hay gente muy famosa que si te los cruzás quizás no los reconocés", concluyó.
Redacción IP se emite por la pantalla de IP de lunes a viernes de 22 a 23, con la conducción de Patricia Blanco, Andrés Fidanza y Leandro Renou.
La periodista María Seoane creó el libro "Momentos", un homenaje literario al significado cultural del músico Astor Piazzolla. Víctor Hugo Morales no pudo resistir entrar como colaborador y probar por qué el país tendría que saber un poco más del bandoneonista que marcó un rumbo especial en el tanto argentino. Somos PM se comunicó con el periodista para preguntarle qué inspiró su pasión.
"La Argentina no se pone a la altura de lo que Piazzolla significa en materia musical y cultura", opinó Víctor Hugo Morales y explicó que está fascinado con la figura con él porque "la historia de Piazzolla es la historia de Argentina". También remarcó que una de sus cosas favoritas es dar a conocer su perfil desde el punto de vista de divulgación como manera de humanizar a la leyenda y atraer con las curiosidades que construyeron su carrera.
Un músico que supo que el tango era su camino cuando todo indicaba que se dedicaría a la música clásica, un artista que integró el sonido de los instrumentos eléctricos y una persona que desde adolescente buscó un espacio en las milongas para tocar aunque sea de suplente: esa pasión es la que se inmortalizó e inspiró a Víctor Hugo a querer escribir sobre una figura que califica como "un personaje crítico porque no es muy popular en el país".
"Todo el mundo ejecuta la obra de Piazzolla. Oblivion debe tener más de 100 versiones en el mundo y por ahí me quedo corto. Los grandes instrumentistas de este mundo apenas conocen su referencia y se enamoran del personaje. Yo creo que la dimensión de Piazzolla nunca ha sido alcanzada por el conocimiento", dijo.
Podés ver Somos PM con Pía Slapka, Anita Sicilia y Maximiliano Legnani de lunes a viernes de 14 hs a 17 hs por IP.
Un día como hoy, hace 50 años, murió en Paris James Douglas Morrison, conocido en todo el mundo como "Jim" Morrison. Cantante y poeta, fue reconocido universalmente por ser uno de los mayores exponentes de la rebeldía del rock. Nacido el 8 de diciembre de 1943, en Melbourne, Florida, su lírica llena de giros sobre libertad, amor, drogas y existencialismo, lo convirtió en un imprescindible de la música del Siglo XX. Gran lector de todo lo que se le cruzaba, desarrolló un gusto temprano por autores como Aldous Huxley, que veían al mundo como una gran alucinación. Ese "más allá" distorsionado lo llevó a tener una vida siempre al límite, cerca de la trilogía de sexo, drogas y rock and roll.
Aquella pulsión incontrolable de mostrar su arte, se vio plasmada cuando decidió formar The Doors, una de las bandas de rock psicodélico que marcó un hito en la historia musical contemporánea. La fuerza en las letras de Morrison, unidos a sus dotes innatos de performer, lo llevaron a la idolatría de las masas que deliraban mirándolo moverse y cantar en el escenario. "Me veo a mi mismo como un humano inteligente, sensible, con el alma de un payaso que me obliga a volar en los momentos más importantes", se definió en una ocasión.
Símbolo de la contracultura juvenil de los años ´60, supo ser uno de los principales referentes de la cultura beatnik, ligada a la literatura, prueba de sustancias y composición. Morrison no sólo fue admirado por músicos contemporáneos como Jimi Hendrix o Carlos Santana, sino que despertó fanatismos en los círculos poéticos que lideraban William Burroughs y Allen Ginsberg. “Si mi poesía intenta algo, es liberar a la gente de sus límites para ver y sentir”, es una de sus frases que reflejó su deseo de libertad. Autor de canciones inoxidables como Light my fire, The end y Break on Through, es recordado como un ícono de arrogancia y belleza. También conocido como El Rey Lagarto o El Chamán, desarrolló una dependencia al alcohol y la heroína que terminarían matándolo.
Morrison dejó este mundo a los 27 años, el 3 de julio de 1971. Si bien el acta de defunción indica que murió por un paro cardíaco, muchos fanáticos dudan de esta versión, porque los peritos no realizaron una autopsia que certifique la causa de muerte. Jim, fue encontrado por su novia, Pamela Courson, sin vida adentro de una bañera de su departamento en el barrio Le Marais, de París. Algunos allegados pusieron en duda esta versión, alegando "circunstancias extrañas" de su deceso. Una de las teorías más fuertes, indicó que El Rey Lagarto le tenía fobia a las agujas, por lo que no podría haber muerto de una sobredosis de heroína, tal como lo afirmó la historia oficial. "Contra el demonio dentro de ti mismo", reza el epitafio de su tumba en el cementerio de Pere Lachaise, manifestando ese misterioso espíritu que lo acompañó durante toda su vida.
Un día como hoy, hace 18 años, fallecía de un paro cardiorespiratorio María Gabriela Epumer, una de las mujeres más importantes del rock nacional. De gran talento para tocar el bajo y la guitarra, nacida en Villa Devoto el 1 de agosto de 1963, tuvo una vida breve pero intensa. Criada en una familia de músicos, Epumer comenzó a componer desde muy chica, llegando a zapar a los doce años con Pedro Aznar y David Lebón, que eran amigos de su hermano Lito. Su versatilidad técnica la llevó a debutar con 16 años en el primer disco solista de María Rosa Yorio. Luego fue una de las integrantes Viudas e Hijas de Roque Enroll, la primera gran primera banda de rock & pop de mujeres en el rock argentino. Allí desarrolló su impronta compositiva junto a Mavy Díaz, Claudia Sinesi y Claudia Rufinatti a la par que causaron un verdadero fenómeno de convocatoria a través de hits de los años 80, como Lollipop, Solo nos quieren para eso y Bikini a lunares amarillos.
“Leo el diario una vez por semana. La verdad es que la vida real no me interesa mucho. Me gusta más la otra”, fue una de sus frases que reflejan la ironía y el universo creativo de la cantante. Epumer ganó pronto reconocimiento de sus colegas y participó en grabaciones junto a Fito Páez, Luis Alberto Spinetta y Celeste Carballo. El talento musical la llevó a ser convocada por Charly García, para que forme parte de su banda, en 1993. Al año siguiente, grabó junto a Charly dos de sus hitos: La hija de la lágrima y el MTV Unplugged, en 1995, seguido de una gira por Estados Unidos y Latinoamérica.
Por esos años, Epumer desarrolló en paralelo su carrera solista, con Señorita Corazón, su primer álbum solista, publicado en 1997. La cantidad de recitales y producciones en conjunto con otros artistas, la mantenían en actividad constante. A pesar de esto, en el 2000, grabó Perfume, su segundo y último disco solista que contó con participaciones de Fito Páez, Charly García, Robert Fripp, Fernando Samalea y Richard Coleman. "María Gabriela es un faro, no sólo por su legado musical, sino por su calidad humana", la recordó Mavi Díaz, una de sus amigas y colegas. Su fallecimiento la sorprendió en lo más alto de la carrera, pero su música quedará por siempre.
